TNM est une organisation dédiée au soutien du design, des technologies low-tech et de l'innovation au service de l'emploi, de la résilience et du bien commun. À travers « Utopies vagabondes », TNM offre au public l'opportunité de découvrir un vaste travail de création, d'expérimentation et de recherche autour des enjeux de résilience, d'autonomie et de reconnexion aux territoires, appliqués aux univers de l'habitat nomade, des techniques low-tech et du réemploi des matériaux. Dans son espace ixellois de plus de 2 000 m², TNM présente un panorama inspirant et enchanteur de ses réalisations les plus récentes, témoignant d'une démarche qui conjugue créativité, économie circulaire, innovation sociale et savoir-faire artisanaux.

« En tant qu’artistes visuels, nous nous engageons à interroger et à réinterpréter le monde familier qui nous entoure », disent Fien Muller et Hannes Van Severen, dont la pratique commune mêle art, design et architecture en un langage singulier. D’où vient cette approche distinctive? Qu’est-ce qui vient en premier : la forme ou la couleur ? Et qu’est-ce que cela fait de travailler ensemble en tant que deux véritables visionnaires?

Portrait photo de Fien Muller et Hannes Van Severen par Nacho Alegre

Lisez notre interview de Vincent Van Duysen via ce lien!

Pourquoi ses contemporains considèrent-ils son œuvre comme un « art total » – ou Gesamtkunstwerk ? L’architecte et designer belge de renommée internationale se confie sur la création centrée sur l’humain, l’évolution du design et ce qui nourrit sa vision aujourd’hui.

Lisez notre interview de Vincent Van Duysen via ce lien!

Portrait de Vincent Van Duysen – Photo de Piet-Albert Goethals
Crédits photo pour la galerie :

Une interview avec Lien Van Hecke, Brand Manager de Trademart Bruxelles

L’événement Brussels Interior chez Trademart, situé à côté de l’emblématique Atomium, offre une expérience unique aux professionnels de l’aménagement intérieur. Cette année est particulièrement spéciale, puisque Trademart célèbre la rénovation de certaines zones dans son département Home & Living. Avec plus de 350 marques permanentes et des exposants invités, c’est un hub dynamique où designers, détaillants et architectes peuvent efficacement sourcer des produits, découvrir les dernières tendances et créer des connexions enrichissantes—le tout en une journée inspirante.

Lisez l’interview via le lien !

Dans un monde qui ne ralentit jamais, Airplane Mode célèbre la valeur du faire. Réunissant le travail de designers et d'artistes aux pratiques variées, l'exposition explore la création comme un acte de temps, d'attention et de présence. À l'image du mode avion qui suspend les sollicitations permanentes, chaque processus créatif devient un espace de déconnexion, une bulle où les idées peuvent émerger et se développer à leur propre rythme. À travers des pièces uniques et des éditions limitées, l'exposition met en lumière l'artisanat, l'expérimentation et la beauté d'une création pensée avec soin. Airplane Mode est une invitation à ralentir, à renouer avec la matière et à découvrir des objets façonnés non par la vitesse, mais par le temps et l'attention qui leur sont consacrés.

AKKO CAFÉ est un salon de thé japonais / café de spécialité installé dans l’ancienne chocolaterie Irsi, à Bruxelles.
Le projet s’inscrit dans un bâtiment remarquable du patrimoine bruxellois, dont la façade a été restaurée avec soin, révélant sa frise dorée Art déco, ses encadrements en marbre de Portor et sa pierre bleue. L’aménagement intérieur crée un dialogue entre l’esthétique japonaise et l’architecture bruxelloise, nouant la tradition et la modernité. Les boiseries, la continuité entre intérieur et extérieur, et plusieurs éléments inspirés de l’architecture japonaise — comme le cerclage en bois de la baie vitrée ou le petit jardin japonais — composent une atmosphère chaleureuse et apaisante, pensée pour inviter à ralentir et à savourer l’instant.
L’espace accueille également une sélection d’objets artisanaux japonais autour de l’univers du café et du thé. Pour symboliser l’idée d’un espace lumineux et chaleureux, Jane, la fondatrice, s’est inspirée du prénom de sa mère, Akiko. Le kanji associé 晶 (“aki”) évoque une lumière qui se rassemble et rayonne.

Notre proposition alter alter alter se concentre sur l'intersection de l'engagement social, de la circularité et du design. Pour cette édition, nous proposons les activités suivantes : Exposition de Design Social : Nous souhaitons exposer une sélection d'objets issus de nos projets sociaux et associatifs passés. BankDayBed + Terrazzo Table + A big Column Portes Ouvertes de l'Atelier (Bizet) : Nous souhaitons inscrire notre adresse à Bizet afin qu'elle figure dans l'un des parcours thématiques organisés dans la ville. Ouvrir nos portes permettra au grand public et aux professionnels de découvrir notre environnement et nos processus de création de l'intérieur. Conférences & Convivialité autour du Réemploi : Pour enrichir l'expérience des visiteurs, nous prévoyons d'organiser un repas partagé ainsi que des conférences. Celles-ci porteront sur les thématiques du réemploi et du design durable, favorisant les échanges entre designers, artisans et le grand public.

Designer textile, Amandine Brun Sauvant explore la matière au point de rencontre entre savoir-faire artisanal et recherche scientifique, faisant de la chimie des teintures naturelles le pivot de sa démarche. En jouant sur les réactions de mordants comme l'alun ou le fer au cœur de la fibre, elle traduit les processus chimiques en un langage visuel contemporain. La couleur ne vient pas habiller la surface : elle se déploie de l'intérieur, scellant la mémoire du geste à travers des lignes de tension. Fortement liée à son territoire, elle valorise les ressources locales et les coproduits végétaux pour faire de la couleur un écosystème vivant et durable.

Le travail d’Ariane van Dievoet met en lumière les récits cachés dans les matériaux mis au rebut. Alliant artisanat traditionnel et innovation numérique, elle transforme les déchets de construction et de production en pièces uniques. Elle puise son inspiration dans la nature même de chaque matériau, en valorisant leurs imperfections. Après avoir ouvert son studio à Brooklyn en 2014, elle est revenue à Bruxelles en 2018, où elle poursuit son approche circulaire tout en enseignant le design durable au CAD. En 2023, elle a cofondé Augusta, une galerie bruxelloise qui expose ses œuvres ainsi que celles de créateurs engagés en faveur du design circulaire.

Atelier Tou est une maison de création qui fabrique de la vaisselle sensible et des objets contemporains pour l’intérieur et la maison, en revisitant les techniques ancestrales de la céramique. Chaque objet est conçu et fabriqué à la main à Bruxelles, dans le respect d'un savoir-faire traditionnel. Portée par un design intemporel, notre démarche tisse un équilibre entre élégance et fonctionnalité. De l'art de la table aux pièces ornementales, chaque création révèle la matière, le geste et la texture. Une véritable célébration du potentiel expressif de l’argile et de la valeur durable de l’artisanat.

La boutique rénovée de l’Atomium est bien plus qu’un simple magasin : c’est le prolongement de l’expérience emblématique offerte par ce monument bruxellois.
Le concept vise à créer une expérience d’achat agréable et fluide, en plaçant la fonctionnalité et l’expérience du visiteur au cœur de la réflexion.
Une analyse approfondie des flux de visiteurs a permis de mettre au point un agencement garantissant une circulation naturelle, avec une caisse stratégiquement placée et un mur de vitrines ouvert. Il en résulte un espace clair et accueillant qui invite à la découverte. L’intérieur de la boutique est modulaire et flexible, ce qui lui permet de s’adapter facilement aux changements de collections ou aux campagnes temporaires. L’utilisation des couleurs et des matériaux s’inscrit dans l’esthétique de l’Atomium, avec un mur de vitrines vert servant de repère visuel aux visiteurs. Ce mur les guide à travers la boutique tout en marquant la séparation avec l’espace d’exposition.
Grâce à un souci du détail et au respect de la structure existante, cette boutique rénovée reflète l’identité du monument et offre aux visiteurs une expérience d’achat unique qui enrichit l’expérience globale de ce lieu emblématique.

La galerie Augusta présente Soft Assemblies, exposition de design qui met à l’honneur le tissage et le tressage de matériaux variés. À travers la recherche et l’expérimentation, six designers européens entrelacent des matières de réemploi et naturelles pour créer de nouvelles formes et transformer l’espace.

Pour cette exposition, Agnieszka Mazur présente ses lampes sculpturales et des objets réalisés à partir de sable récupéré, inspirés des châteaux de sable traditionnels des plages de Zélande. La collaboration entre Amandine David et Esmée Hofman explore les contrastes en associant techniques numériques et vannerie pour créer des contenants sculpturaux. Les designers textiles Juliette Berthonneau et Justine Gaignault jouent avec les textures, créant des contrastes entre motifs denses et zones translucides en feutrant leurs tissages de lin et de laine pour réaliser des textiles décoratifs et fonctionnels. Laure Kasiers présente de nouveaux tapis muraux aux motifs abstraits, réalisés selon une technique qu’elle a développée à partir de bandes tissées de laine et de lin.

L’exposition explore une nouvelle facette de la transformation de la matière à travers les liens, l’entrelacement et le rythme des couches successives.

Soft Assemblies à la galerie Augusta
24 septembre – 21 novembre 2026
Jeudi, vendredi et samedi, de 14 h à 18 h

Ouvert le dimanche 27 septembre
Fermé du 29 au 31 octobre.

BABA MANIFESTO : Le manifeste du Babaisme est une exposition de l'artiste et designer Jacopo Koning, présentant le mouvement artistique qu'il a fondé : le Babaisme. Le Babaisme est un mouvement artistique qui célèbre l'art absurde en techniques mixtes de l'ère post-COVID. Inspirés par leur nom, tout comme les Dadaïstes se sont inspirés de l'absurdité du monde après des événements tels que la Première Guerre mondiale, les Babaïstes s'inspirent de l'absurdité des traumatismes collectifs contemporains, notamment de la surstimulation provoquée par la technologie. Le Babaisme repose également sur l'idée que l'histoire se répète sans cesse. Cette vision se reflète dans la pratique de Koning, qui associe des techniques historiques et contemporaines, telles que la sérigraphie et l'eau-forte, créant un dialogue entre le passé et le présent. À travers des visages déformés, des couleurs ludiques, des éléments symboliques et des œuvres multimédias, Koning capture une identité en perpétuelle mutation dans un monde de mèmes, de surstimulation et de défilement infini, invitant le public à embrasser l'imperfection et à trouver la beauté dans le chaos d'aujourd'hui. Après avoir présenté la première exposition BABA MANIFESTO à Florence, Jacopo Koning présente aujourd'hui cette exposition pour la première fois en Belgique, à ALTO GALLERIA, marquant leur deuxième collaboration depuis 2024.

BETWEEN LIVING AND MAKING

TINE LONCIN ouvre son habitation et son espace de travail au cœur de Bruxelles, au dernier étage d’une ancienne manufacture textile où vie, travail et création se confondent. Née et élevée à Bruxelles, sa pratique prend la ville comme contexte : complexe, pragmatique, vivante et jamais tout à fait achevée.
À l‘occasion de la Brussels Design Week, elle ouvre son appartement, qu'elle a elle-même conçu, comme une invitation à entrer dans un univers de design personnel et vécu. Ceux qui souhaitent découvrir comment vit et travaille une architecte d’intérieur et designer bruxelloise ne trouveront pas un showroom, mais un lieu qui évolue au fil du temps. Les lieux révèlent une approche claire, honnête et réfléchie, ancrée dans l’usage, les matériaux et le contexte. Sa démarche est cohérente : à travers des structures simples et des formes lisibles, elle conçoit des objets et des espaces porteurs de sens. Un univers de vie et de création où la clarté prend sens, et où chaque objet et chaque espace parle de lui-même.
Sur le toit du bâtiment, la toiture plate a été transformée en terrasse, aménagée avec du mobilier qu'elle a elle-même conçu. La skyline bruxelloise comme point de calme.

24.09 — 4.10
Week-ends : entrée libre entre 11 h et 18 h
En semaine : visites sur rendez-vous uniquement
(RSVP via mail@tineloncin.be)

images 1, 3, 4 and 5 © Kaatje Verschoren

Entre les plis Un paysage est en perpétuel mouvement ; à chaque seconde, chaque minute, chaque heure, au fil des siècles, il se transforme. La lumière s'y infiltre de manière à révéler, à chaque instant, une scène différente. Les formes évoluent sous l'effet de l'érosion ; des lignes apparaissent puis disparaissent, les couleurs s'estompent. Autant d'éléments qui rendent sa capture difficile. Le paysage que nous imaginons est, en réalité, le souvenir de ce lieu. À l'image des paysages, les souvenirs sont eux aussi en perpétuel mouvement. Insaisissables, ils s'effacent avec le temps ; ils se mêlent et se déforment jusqu'à façonner des lieux qui n'ont jamais véritablement existé. Ils subsistent comme des reflets que nous portons dans les replis de notre cerveau. En portant un regard sur mon propre travail de photographe, je cherche ces instants où l'image ne coïncide plus avec l'expérience vécue. À travers des techniques telles que le tissage et le détricotage, le pliage et le pressage, j'explore la manière dont la mémoire façonne notre perception des paysages, donnant naissance à de multiples interprétations d'un même instant. « Nous avons tendance à penser que les paysages nous affectent le plus intensément lorsque nous nous trouvons en leur sein, lorsqu'ils nous offrent les sensations premières du toucher et de la vue. Mais il existe aussi les paysages que nous portons en nous en leur absence, ces lieux qui continuent de vivre dans notre mémoire longtemps après avoir disparu de notre réalité. Ces lieux — ceux vers lesquels nous revenons le plus souvent lorsque nous en sommes le plus éloignés — comptent parmi les paysages les plus précieux que nous possédions. » — Robert Macfarlane, Les Vieux Chemins. Une traversée à pied (The Old Ways: A Journey on Foot)

Au pied de la Tour Bleue de Bruxelles, sur l’avenue Louise, BLEU propose à la ville un nouveau type d’espace ouvert toute la journée. À mi-chemin entre le café, l’espace de travail et le havre urbain, ce projet s’articule autour de la transition : du café du matin au déjeuner, des réunions informelles aux pauses tranquilles entre deux rendez-vous.

Make. Reuse. Work. Site productif de 14 000 m² au bord de Bruxelles, qui repense la façon dont une ville prend soin de ses matériaux. BO-ORD est un centre de réemploi et un lieu de travail pour les makers, designers et chercheurs. Pour les 30 prochaines années. Lieu géré par RotorDC.

En tant que centre permanent d’approvisionnement B2B et plateforme de rencontre unique au Benelux, Trademart réunit des marques et des retailers dans les secteurs de la mode, de l’habitat & du living, ainsi que du baby & kids. Guidés par notre devise **« Moving Retail Forward »**, nous créons un environnement dynamique où l’inspiration, l’innovation et l’entrepreneuriat s’épanouissent. Les retailers y découvrent les dernières collections, les marques y rencontrent des acheteurs et des professionnels du secteur, et de nouvelles opportunités commerciales prennent forme. Plus qu’un simple lieu d’achat, Trademart est un véritable hub où les idées s’échangent, les tendances prennent vie et des partenariats durables se construisent. Ensemble, nous contribuons à façonner un secteur du retail plus fort, plus innovant et tourné vers l’avenir.

BS Galleria, galerie privée spécialisée dans le design de collection brésilien et le mobilier moderniste, ouvre ses portes au public pour la première fois à l'occasion de Brussels Design Week. L'exposition présente en avant-première belge les nouvelles œuvres de l'artiste brésilienne Patricia Faragone, offrant au public local l'opportunité de découvrir cette collection avant sa présentation officielle, la semaine suivante, lors des Rendez-vous de la Matière de FORMÆ à Paris.
À la croisée de l'art, du design et de l'artisanat, les sculptures en verre, luminaires et œuvres textiles de Patricia Faragone explorent la mémoire, la transformation des matériaux et la poésie des objets du quotidien. Présentée dans le cadre intimiste de cette galerie privée située à Ixelles, l'exposition célèbre également l'arrivée de BS Galleria à Bruxelles et son engagement à favoriser le dialogue entre les scènes créatives brésilienne et européenne à travers le design de collection.
BS Galleria – Avant-première des nouvelles œuvres de l'artiste brésilienne Patricia Faragone avant leur présentation à Paris
Du 1er au 4 octobre, de 14h à 18h

La Cambre Design Textile 2026 étudiant.e.s diplômé.e.s Amaryllis Bouyer, Romain Clary, Hovic Der Sarkissian, Alice Etheimer, Julien Georgieff-Peinado, Camille Laffargue, Léo Seignez TRACK Brussels, gare du Nord, 76 Rue du progrès, 1030 Brussels Vendredi 18 - Dimanche 20 Septembre

Conférence de 16 à 18h (FR/NL)

Circularium,
c’est depuis 2020 un centre d’innovations où se regroupent des acteurs de l’innovation sociale et de la production circulaire.

Cityfab 1, fablab public porté par citydev.brussels et i-CITY est un espace dédié à la fabrication numérique. Diminutif de « fabrication laboratory », ce fablab donne accès à toute personne, quel que soit son niveau de connaissance, aux outils et aux savoirs pour concrétiser des projets à l’aide de machines pilotées par ordinateur. À l’occasion de la Brussels Design Week 2026, cityfab 1 ouvre ses portes pour une visite des lieux et la découverte des possibilités de production qu’apporte notre parc de machines ainsi que de notre offre de formations et workshops.

Cityfab 3 ouvre ses portes à la communauté du design, des arts appliqués et de la création.
Que vous cherchiez à repousser les limites du prototypage, à explorer de nouveaux matériaux ou à intégrer la fabrication locale et numérique dans votre processus de création, venez découvrir comment notre laboratoire peut devenir le prolongement de votre studio.
Au programme de cette édition spéciale :
Technologie & Savoir-faire — Démonstrations de nos outils de précision (fraisage numérique CNC, découpe laser haute performance, pliage de plexiglas, axe rotatif U) appliqués au design de mobilier, d'objets et d'espaces.
Éco-conception & Matériauthèque — Découvrez en avant-première nos recherches en Open Design ainsi que notre projet de matériauthèque numérique dédiée au réemploi et à l'économie circulaire, mené en collaboration avec le RFB.
Networking & Synergies — Rencontrez notre équipe de facilitateurs, nos résidents et d'autres professionnels du secteur pour échanger sur vos projets, vos besoins en production ou nos programmes de formation avancée.
Du dessin vectoriel à la pièce finie, venez explorer le potentiel de la fabrication numérique pour donner vie à vos concepts les plus audacieux.

cityfab2 ouvre les portes de son fablab au public dans le cadre de Brussels Design September. Les visiteurs pourront découvrir comment les outils de fabrication numérique (découpe laser, CNC, impression 3D, vinyle, médialab) transforment aujourd’hui les pratiques du design, du prototypage et de la production locale.

COLLECTED est une galerie-showroom proposant une sélection de mobiliers, tapis,luminaires et réunissant des designers établis comme émergents. Dans le cadre de Design September, nous présenterons le travail de plusieurs designers. DIRK MEYLAERT se situe à la croisée du design, de l'art et de l'artisanat en créant des meubles dont la forme découle de contraintes écologiques, techniques et philosophiques plutôt que de la seule fonction. Son approche valorise le bois massif local, les savoir-faire traditionnels et une fabrication post-industrielle sur mesure, en réponse aux enjeux environnementaux et sociaux contemporains. STUDIO.REMY est un studio de design néerlandais fondé en 2014 et dirigé par Remy van Zandbergen et Anke Verstappen. Leur pratique se concentre sur la menuiserie miniature, la narration et la céramique modulaire. Le souci du détail, un sens aigu de la modularité et une esthétique technique sont au cœur de leur travail. NOLASTAR est un système de séparation d'espace et de rideaux incarnant un design intemporel et une matérialité innovante, conçu en 1999 par Ana Motjér Milanés pour Royal Family Design Lab, puis revisité par Pablo Octavio dans sa version actuelle en aluminium. Nolastar allie élégance esthétique et grande fonctionnalité, créant des espaces qui respirent et offrant une réelle efficacité d'usage. MAUD BRUNSTEIN est une designer textile spécialisée dans la maille et l'exploration de matériaux expérimentaux. Son travail s'inscrit dans une démarche éthique et circulaire, utilisant des fils issus de surplus de production et s'appuyant sur une grande maîtrise technique du tricotage. Elle joue avec les couleurs afin de créer une interaction entre la matière, le corps et l'espace. ADRIAN CRUZ ELEMENTS est un architecte et designer mexicain. Son travail repose sur une technique artisanale de la résine développée en 1946 par son grand-père, Chema, à Mexico. Ses créations marient les couleurs vibrantes de la culture mexicaine à la rigueur architecturale.

Transformation d'un restaurant occupant les volumes d'une ancienne poissonnerie datant de 1926, dont la devanture Art Nouveau remonte à 1906. Le projet articule des interventions contemporaines — pierre et acier inoxydable — à la préservation rigoureuse des éléments patrimoniaux intérieurs hérités de la poissonnerie d'origine. La carte, orchestrée par le chef Kevin Perlot, est principalement consacrée au poisson. Les surfaces en acier inoxydable captent et restituent, à la manière d'un plan d'eau, le mouvement de la ville au fil des heures.

Pour célébrer ses trois ans, Cru atelier ouvre les portes de son nouvel atelier à l'occasion de la Design Week Brussels. Fondé par Sarah El Yousefy et Nina Ouchinsky, toutes deux architectes de formation, Cru atelier est un atelier de design dédié à la création de pièces sur mesure et d'objets de collection façonnés à partir de matériaux organiques et géosourcés. Leur démarche réunit artisanat, créativité, durabilité et une attention particulière portée à la matière. Animées par une fascination pour les textures, les nuances et le potentiel des matériaux naturels, elles développent une pratique fondée sur l'expérimentation et la redécouverte de savoir-faire artisanaux. Des terrains d'exploration où techniques ancestrales et design contemporain se rencontrent. Cette ouverture d'atelier est l'occasion de découvrir leur univers de travail, leurs recherches et les expérimentations qui nourrissent chaque projet.

Troisième édition de Curated, une exposition de design de collection ouverte à tous, organisée au Mix Brussels sous le commissariat de Lionel Jadot. Réunissant le travail de 35 designers, cet événement transforme l'ancienne Royale Belge en un lieu vivant de créativité. Designers, artistes, collectionneurs et architectes s'y retrouvent pour présenter et partager leurs créations. Amateur de design ou simple curieux, c'est l'occasion de plonger dans un univers d'innovation et de savoir-faire. L'entrée est gratuite, mais un ticket est requis.
Ce rendez-vous de trois jours se tient du 25 au 27 septembre. L'exposition est ouverte et accessible à tous. Pendant le week-end, le Romeo Bar et le Joule Eatery sont ouverts en continu : cocktails, brunch toute la journée, musique et plusieurs propositions de restauration.
TALKS au Romeo, 2e étage du bâtiment Mix
Sam 26 sept / 14h : animé par Dieter Van Den Storm (MAD), avec Özge Salihoglu
Sam 26 sept / 16h : animé par Marie Pok (CID Grand-Hornu)
Ouverture de l'exposition
Ven 25 sept / 18h - 22h
Sam 26 sept / 10h - 19h
Dim 27 sept / 10h - 18h
35 ARTISTES AU RENDEZ-VOUS
Alexandre Labruyère, Anna d'Ansembourg, ATELIER26, Atelier Haute Cuisine, Basile X Breno, Casper Jacquemyn x Diego Delay, Clement Pasquier Studio, Coline Le Quenven x Emma Desirée Comer, DIFUSIONS, Danik Uderbekov, Dirk Meylaerts, Dries Hamels, Elisa Uberti, FabBRICK, Fractall, Glass Variations (Cevino Glass), Grou Serra, Konstruct Collective, Linde Hermans, MAD Brussels (: Chateau Resort & Paulinepluslouis), MWO, Paul Hardy, Pierre Coddens, Pierre Klein, Raphaëlle Bosmans, Rim Ram, Robin Berrewaerts, Studio Jules Péan, Studio Stijn Jean Vos, Touch With Eyes, TRY AGAIN ?, Vincent Verheyen, Yohann Hubert - feu maison & Baptiste Chatenet

Site web / https://mix.brussels/curated/
Instagram Curated / https://www.instagram.com/curated.brussels/
Événement Facebook / https://fb.me/e/1PHud9y04H

ACTIVITÉS FOOD DRINK MUSIC DJS

VEN / RELEASE NIGHT - ROMEO / (dès 18h) Cocktails & DJ set
VEN & SAM / JOULE / (dès 18h) Cuisine orientale & frigo de bières artisanales bruxelloises
VEN, SAM & DIM / JOULE, toute la journée / Café, snacks & cuisine saine
VEN & SAM / TIMBER / Brasserie fine inspirée des saveurs belges et des petits producteurs
VEN, SAM & DIM / GRAND HALL / Fontaine à Negroni par le studio douze degrés
SAM / ROMEO / (16h30) Talk animé par Anaïs Sandra Carion, directrice générale de MAD Brussels
SAM / ROMEO / (dès 17h) Cocktails, plats à partager & musique par Mitate, Serious Discoboy & V.T.T
DIM / ROMEO BRUNCH & JAZZ / (11h30 - 14h30) DJ set vinyles par Pat from Brussels

Design for Resilience est un atelier de recherche textile belge qui explore les liens entre design, durabilité et savoir-faire local.

À Bruxelles et avec nos partenaires belges, nous concevons et tricotons des pièces épurées et responsables : linge de maison, accessoires et objets textiles sans plastique, pensés pour sublimer l’intérieur contemporain tout en respectant la planète.

Nous défendons une vision à long terme : reconstruire en Belgique une filière textile éthique, biologique et durable, ancrée dans l’innovation locale et le design circulaire.

Ce que nous fabriquons :

→ Objets de décoration d’intérieur : coussins et plaids en lin européen et laine belge, tricotés à Bruxelles à partir de matières locales, éthiques et respectueuses du bien-être animal.

→ Linge de bain écoresponsable : essuies en lin en lin (haute performance, ultra légers ou moelleux), lingettes, gants de toilette exfoliant en chanvre, pochettes de rangement.

→ Accessoires pratiques et durables : lavettes, éponges en chanvre, sacs et pochette en lin et chanvre.

→ Accessoires textiles : écharpes en laine, lin et soie upcyclée, tricotées à la main, dans une démarche zéro déchet.

Horaires d'ouvertures
Vendredi 20 septembre : 11h – 17h30 & 18h15 – 20h45 : nocturne
Samedi 21 septembre : 11h – 19h
Dimanche 22 septembre : 10h – 17h

CC DESIGN en résidence est une plateforme qui soutient les designers et les créateurs en offrant un environnement d'apprentissage professionnel où le partage des connaissances, le mentorat, le réseautage et le développement artistique occupent une place centrale. Le programme stimule et facilite les échanges entre les différentes disciplines artistiques au sein de la scène du design nationale et internationale.

DRAFT & FORM : La main intelligente

présenté par Subtile (Luxembourg) à l’occasion de la Brussels Design Week 2026

En comblant le fossé entre l’énergie brute de l’atelier et l’atmosphère raffinée de la galerie, nous célébrons la main humaine comme la véritable source de toute créativité. Elle est le pont entre la matière première et l’objet raffiné, le canal par lequel l’émotion se traduit en forme. À l’occasion de la Brussels Design Week 2026, Subtile invite les visiteurs à découvrir « Draft & Form », une scénographie qui privilégie un sanctuaire vivant et animé.

« Draft & Form » est un dialogue, et non une exposition statique. Nous occupons l’espace de l’artiste Patricia Sartori au cœur de Bruxelles, permettant ainsi à la frontière entre création et exposition de s’estomper. Ici, le visiteur plonge au cœur du processus vivant. Notre sélection met en avant une nouvelle génération de designers qui refusent d’être catalogués — ceux qui naviguent entre les frontières fluides et floues de la sculpture et de l’utilitaire, entre le décoratif et l’essentiel.

Observez attentivement la matérialité de cet espace. Nous vous invitons à faire une pause et à vous interroger : s’agit-il de textile ? De céramique ? De terre, ou d’un souvenir tissé ?

Dans cet univers soigneusement orchestré, les matériaux sont poussés à leurs limites. Nous présentons des pièces où la texture de l’argile imite la douceur du tissu, et où la rigidité des formes cède la place à la sensualité des techniques ancestrales.
Au cœur de ce récit, une pièce vintage ou ancienne trouve toujours sa place. Nous l’intégrons non seulement par choix esthétique, mais aussi comme un acte délibéré de respect. Elle rend hommage aux artisans du passé dont les mains ont insufflé la vie à ces objets durables, et constitue une reconnaissance discrète des vies qui se sont épanouies en leur présence. En invitant ces échos historiques dans l’espace, nous honorons la continuité du savoir-faire artisanal et nous nous rappelons qu’un objet bien fait est à la fois un vecteur de création et de mémoire.

En plaçant ces pièces intemporelles aux côtés d’œuvres contemporaines et des outils de l’artiste – les croquis, l’argile brute, les œuvres en cours de réalisation –, nous rendons hommage à l’intelligence de la main, fil conducteur de l’histoire humaine. La présence de Subtile au salon Design Brussels témoigne de cette philosophie : le design ne se résume pas au produit final ; c’est l’aboutissement d’une histoire racontée à travers la matière. En tant que galerie, nous jouons le rôle de médiateur entre le designer visionnaire et le collectionneur, rejetant la standardisation de masse pour mettre en avant des icônes uniques, chargées d’âme.

Bienvenue dans une exploration de l’artisanat, de la matière et de l’âme du design moderne, où chaque objet est le prolongement de la vision de l’artiste — passée, présente et future.

Créateurs sélectionnés :
Objects by Marie (Belgique)
Valentin Bony (France)
Clément Pasquier (France)
Glass Variations (France)
Cathy Deprez (Belgique)
Nina Dorfer (France)
Béatrice Pettovich (Luxembourg)

Artiste :
Patricia Sartori (notre hôte)

Nous sommes une maison d’artistes et de designers et avons déjà organisé, avec notre groupe, une exposition dans notre salon que nous avions baptisée « Front of House ». Dans le cadre de ce projet, nous avions vidé la pièce de tout son mobilier domestique, en essayant de la mettre en scène comme une galerie, à l’instar d’innombrables autres anciens espaces domestiques bruxellois reconvertis en galeries, tout en conservant des éléments architecturaux similaires, comme la cheminée. En éloignant délibérément cet espace de son usage habituel de salon, tant l’agencement que ce qui y était exposé n’avaient plus rien à voir avec un espace domestique. Cette fois-ci, nous souhaitons à nouveau vider cette pièce et repartir de zéro dans le but de créer un espace d’exposition ; mais cette fois, l’exposition ressemblera en réalité à un salon, tout en étant entièrement composée d’objets fonctionnels et décoratifs que nous avons fabriqués nous-mêmes, remplaçant ainsi les objets de série qui s’y trouvent actuellement. Cela s’apparente à une exposition que nous avions réalisée lors de notre dernier projet, une résidence intitulée « Talking from a kite ». Nous souhaitions mettre en scène un espace de travail pour le vernissage, à la manière d’un décor de théâtre, en ne conservant que les éléments les plus importants sur le plan symbolique parmi ceux que nous utilisions. Parmi les objets de design fabriqués par nos soins que nous présenterons cette fois-ci dans l’espace, on trouvera notamment : des lampes, des tabourets, des étagères, des luminaires sculptés par CNC, des céramiques, ainsi que, peut-être, une sélection de petites antiquités chinées que nous ne sommes pas en mesure de fabriquer nous-mêmes faute de compétences techniques.

Au sein de la librairie Corpus, Nicolas Verschaeve présente des extraits de plusieurs projets conduits récemment en collaboration avec différentes manufactures. Installé entre Bruxelles et les Vosges du Nord, engagé depuis plusieurs années dans une pratique de terrain, il compose au fil de ses escales avec ce qui déborde des objets et ce qui les précède — un ensemble de paramètres géographiques, historiques, sociaux, économiques et politiques. Au cœur de son activité de concepteur d'objets et d'espaces, il cherche à révéler les forces agissantes à l'œuvre dans l'émergence des formes et des usages, rendant lisibles les processus qui façonnent nos environnements matériels. Nicolas Verschaeve préfère aux prouesses techniques les opérations raisonnées à l'échelle de la manufacture et de fabriques de semi-produits : une briqueterie en Alsace, une entreprise de manches d'outils en Bourgogne, une scierie en Moselle. Autant de collaborations qui révèlent le paysage productif qui subsiste dans un pays désindustrialisé. Des intuitions qui tiennent à exprimer — en conversant avec l'existant et par une économie de moyens — le champ des possibles encore à explorer, les opportunités désirables d'une production frugale à partir des forces en présence.

Ouvert mi-décembre dans le quartier de Flagey, FLIPPER's - Original Burger marque un retour aux racines du Burger. Un projet pensé comme un hommage au goût fondateur du fast-food, celui qui traverse les générations et s'inscrit dans une culture, à l'image des frites en Belgique ou de la pizza en Italie. Fondé par Julien Van Espen, Basile Stein et Mardeen Benjamin, FLIPPER's est né d'une rencontre et d'un amour partagé pour le Burger. Ensemble, ils sont partis à la recherche de son essence, en s'immergeant dans sa culture originelle : celle du fast-food des débuts, quand la simplicité, le savoir-faire et la qualité étaient au cœur de l'expérience.

FLIPPER's incarne cette philosophie. Pas de Burgers réinventés ni de concepts tendance ici, mais un Original Burger, respecté et exécuté avec précision. Le Burger FLIPPER's est construit autour d'une recette de viande soigneusement élaborée : un mélange précis de morceaux de bœuf sélectionnés, avec le juste taux de matière grasse pour une texture juteuse et savoureuse. Le steak est fin, sans être écrasé, assurant un parfait équilibre avec le pain toasté, les garnitures et la Magic Sauce. La cuisson est minutieusement contrôlée pour offrir un steak grillé avec une fine croûte légèrement croustillante et un cœur tendre et juteux. L'offre comprend également du poulet et une option végétarienne, toujours guidée par la même recherche du plaisir.

Le menu est volontairement court et facile à lire : Burgers, frites, quelques accompagnements, sauces et sodas. L'essentiel, sans distraction.

La décoration intérieure prolonge cette philosophie. Lumineuse, claire et fluide, elle s'inspire du fast-food américain avec des cuisines ouvertes, où les techniques et les ingrédients sont fièrement mis en avant. Une opération simple et bien rodée, fondée sur la spécialisation et la constance, garantissant la même qualité jour après jour.

Le projet est incarné par Flipper, un dauphin qui porte l'identité de la marque et en étire l'imaginaire. Symbole de liberté, de fun et de mouvement, Flipper apporte à FLIPPER's un univers résolument californien, mêlant culture fast-food, soleil et légèreté. Une présence discrète mais structurante, qui donne au projet son ton, son énergie et sa personnalité.

La bande-son complète l'expérience, mêlant musique, sons de cuisine, grésillement du grill et conversations pour créer une atmosphère vivante, décontractée et accueillante. FLIPPER's est conçu comme un lieu ouvert à tous, sans distinction d'âge, de statut ou d'origine. Un espace de rencontre et de partage, où les clients viennent redécouvrir un goût simple et sincère, qu'ils reconnaissent et apprécient réellement.

Dès les premières étapes, le projet a été développé avec Charly Buron, qui a mené la direction artistique et l'identité de l'espace, en collaboration avec le graphiste Maxim Brillant, qui a contribué à la création de l'identité visuelle. Le projet a également été développé en collaboration avec le studio d'architecture bruxellois Elmēs, dirigé par Vinh Linh.

FLIPPER's - Original Burger

L’art de Mario Trimarchi est profondément philosophique et poétique. Le monde qui se déploie dans ses dessins en noir et blanc prend vie dans ses sculptures. Des matériaux lourds et bruts — pierre, bois, acier — entrent en dialogue avec des éléments fragiles et aériens — verre, plumes, fibres synthétiques — dans une harmonie intemporelle.

Brussels Design September a accueilli le designer italien Compasso d’Oro comme invité d’honneur. Sa première exposition personnelle à Bruxelles, Radical Landscapes, a ouvert le 11 septembre à A. Galerie.

Avant la projection de Ten Times Black, un documentaire sur sa pratique, à l’Institut culturel italien, nous nous sommes entretenus avec Trimarchi pour parler de paysages, de fragilité et du rythme du dessin.

Lisez notre interview avec Mario Trimarchi en anglais via le lien !

Portrait de Mario Trimarchi – Photo par © Fabio Viganò

Un concept d’abri modulable destiné aux personnes en situation de sans-abrisme, une installation en céramique inspirée d’un intérieur rural et des textiles fabriqués à partir de carton récupéré à Bruxelles. Fidèle à sa tradition annuelle, l’exposition collective « Future Generation: The MAD Graduation Show » met à l’honneur les lauréat·e·s du MAD Graduation Prize 2026 et présente leurs projets de fin d’études innovants. Pas moins de sept grandes institutions bruxelloises sont représentées dans l’exposition : l’Académie Royale des Beaux-Arts de Bruxelles, le College of Art and Design, les Ateliers Saint-Luc, l’École supérieure des arts Saint-Luc, la Haute École Francisco Ferrer, La Cambre et la LUCA School of Arts. Design textile, aménagement intérieur, mode ou design industriel : 14 jeunes diplômé·e·s exposent des projets marquants au MAD Brussels du 1er octobre au 12 décembre.

« Gilbard.e.s & friends by Gilbard.e.s and friends » est un no-show sur le temps, l’espace et la vie, le passé, le présent et le futur, les écologies et les économies, les matériaux de réemploi et la fabrication d’objets, l’artisanat, l’art, le design et l’architecture, les identités individuelles et l’énergie collective, le goût et le toucher, l’échange non-monétaire et la création de valeur, les ASBL et les entreprises, être people-pleasing et avoir des valeurs fortes, le marché et la politique, les humains ou plus qu’humains, avec et sans papiers, la musique et la danse, le fun et la douleur, live, laugh, love, la vie et la mort. Réalisé par des bénévoles, stagiaires, freelances, usager-es, ami-es, partenaires, voisin-es, résident-es, outils, personnes du coin, personnes venues d’ailleurs, membres du collectif. You Only Live Once. Préparez-vous pour un no-show. Ouvert les vendredis de 13h30 à 18h00 Premier samedi du mois de 13h00 à 17h00 Possibilité de visiter également du lundi au vendredi, entre 10h00 et 18h00. Réserver une visite avec les curateur-ices : info@gilbard.be

Green Fabric est un tiers-lieu textile engagé, un espace de création, de transmission et d’innovation où nous faisons ensemble, autrement. C’est un lieu où nous mutualisons les savoirs, les outils et les ressources pour rendre la création accessible à tous·tes. Par nos machines, nos savoir-faire et nos aménagements, nous soutenons des projets de création ou d’innovation durables en favorisant la récupération, l’upcycling et les pratiques éthiques. Notre lieu s’adresse à des publics variés : le grand public avec les ateliers créatifs et la mercerie de 2e main, les créateur·ices avec les espaces de travail partagés et individuels, les makers et artistes avec le fablab textile. Équipé de machines dédiées à la création textile, notre fablab est un espace partagé conçu pour le développement, le prototypage et la production. Nous encourageons les croisements entre textile, artisanat, technologie numérique et recyclage dans le but de développer ensemble de nouveaux outils et usages.

Le projet prendra la forme d'un pop-up store éphémère, ouvert de septembre à janvier, pensé comme un espace de dialogue et d'expérimentation autour du design. Une sélection exigeante de pièces iconiques du design du XXᵉ siècle, associées à des œuvres d'artistes belges et internationaux, donnera naissance à des mises en scène immersives et expérimentales qui dépassent la simple présentation commerciale. L'installation sera conçue comme une expérience curatoriale où mobilier, objets, œuvres et livres d'art se répondent. Plus qu'un espace de vente, ce pop-up est imaginé comme un laboratoire vivant, où le design est présenté comme un langage culturel, un patrimoine toujours en mouvement et une source d'inspiration pour la création actuelle. L'objectif est de sensibiliser un public curieux à la valeur des objets iconiques, tout en mettant en lumière la richesse des pratiques artistiques contemporaines, belges et internationales.

En 2006, le titre de "Designer de l’année" était décerné pour la première fois en Belgique. Initiée par la Biennale Interieur, en collaboration avec Knack Weekend et Le Vif Weekend, cette distinction a récompensé dès sa première édition le designer bruxellois Alain Berteau. Au fil des années, de nouveaux partenaires ont rejoint l’initiative, qui s’est imposée comme une référence incontournable du design belge. Vingt ans plus tard, le palmarès dessine un panorama remarquable de la création contemporaine en Belgique. Céramistes, orfèvres, designers de produit, de mobilier ou d’éclairage : les lauréat·e·s se distinguent par une approche où innovation, singularité et conscience environnementale occupent une place centrale, au cœur de leur processus créatif. Parmi elleux figurent notamment Muller Van Severen, Alain Gilles, Nedda El-Asmar, Julien Renault et Linde Freya Tangelder. À l’occasion du 20ᵉ anniversaire du prix, les vingt lauréat·e·s sont réuni·e·s dans une exposition collective présentée au MAD Brussels, du 1er octobre au 12 décembre.

Designer franco-canadien de luminaires spécialisé dans le recyclage créatif et l'éco-conception pour l'intérieur et l'extérieur.

Une interview avec Gaëtane Van de Keere, Responsable de l’Engagement de la Marque

Le 2 octobre, le designer belge Jean-François D’Or présentera une performance unique avec le musicien Benjamin Glorieux au MAD Brussels, dans le cadre de l’exposition Trans-formations. Connu pour ses objets à la fois poétiques et fonctionnels, D’Or dépasse ici le cadre du design produit pour explorer un espace éphémère et multidisciplinaire où musique, écriture, installation et prise de risque se rencontrent. Nous l’avons interrogé sur sa performance à venir, sa philosophie du design et le fil conducteur qui relie deux décennies de travail créatif.


Lisez l'interview au lien !

Journal à Stockel est une all-day kitchen & coffee pensée comme une maison de vacances en ville : un lieu lumineux, chaleureux et très familial, où l’on vient du matin au goûter pour un brunch, un lunch, un café ou une pâtisserie.
Inspiré des surf shacks californiennes, de la mer du Nord et des beach houses des Hamptons, l’intérieur mêle convivialité, détails soignés et atmosphère régressive.

L'exposition rassemble des étudiants de l'atelier de design de produits de l'Académie des arts, de l'architecture et du design de Prague ainsi que des sculpteurs partenaires, et présente des œuvres issues d'une collaboration d'un semestre entre l'atelier, des ateliers de sculpture contemporaine et la fonderie Nosek, un atelier de moulage de métaux établi de longue date. L'exposition repense la quincaillerie de porte comme le point de contact le plus intime de l'architecture, où un geste physique singulier sert de médiateur à la transition entre le monde extérieur et l'espace domestique. En élargissant cette perspective pour inclure des reliefs ornementaux et des socles structurels, le projet transcende l’utilité pour explorer la frontière fluide entre le design fonctionnel et les beaux-arts. Chaque module d’installation sert de dialogue collaboratif, soutenant physiquement des sculptures empruntées tout en remettant en question la hiérarchie traditionnelle entre un objet d’exposition et son contenu artistique. À travers ces intersections interdisciplinaires, les œuvres explorent comment l’artisanat et la pratique contemporaine peuvent faire disparaître les limites de la fonction première d’un objet.

Je suis artiste marqueteuse, basée à Bruxelles, à la croisée de l'artisanat et du design contemporain. Ma pratique fait du placage de bois une matière à composer : j'assemble des placages de récupération et des chutes en surfaces de marqueterie uniques, pour des objets, des œuvres murales .. Chaque pièce est unique, façonnée par le veinage et la couleur du bois récupéré dont elle est faite, avec une attention forte portée à l'approvisionnement local, au réemploi et à la réparabilité. Pour la Brussels Design Week, je souhaite présenter ce travail ainsi que la recherche que je développe en tant que lauréate du programme ReProduce Brussels : un langage de marqueterie contemporain appliqué aux objets et aux surfaces du quotidien. Le travail est prototypé au sein des fablabs CityFab de Bruxelles, mes partenaires pour ce projet, où la fabrication numérique rencontre la marqueterie réalisée à la main. Une gamme émergente de détails de mobilier en marqueterie est actuellement en développement et prolongera cette exploration.

Leaf Lab: From Memory to Light Atelier de création d'abat-jour botanique Les plantes sont les témoins silencieux de nos vies. Elles marquent des lieux, des saisons, des célébrations et des histoires personnelles. Comment la nature peut-elle devenir à la fois art et design ? Lors de cet atelier créatif, les participants réalisent une composition botanique unique à partir de fleurs séchées, de feuilles et d'autres matériaux naturels. Accompagnés par l'équipe de Viaplant, ils composent un motif personnel qui sera ensuite transformé en une lampe artisanale. Cet atelier explore la rencontre entre la nature, le récit, la durabilité et le design contemporain. Chaque participant crée un objet unique tout en découvrant comment les plantes peuvent préserver des souvenirs et s'intégrer à notre quotidien.
Nous mettons à disposition une sélection soignée de plantes et de matériaux botaniques. Les participants sont également invités à apporter leurs propres fleurs, feuilles ou même un bouquet entier ayant une valeur personnelle. Les végétaux frais comme séchés sont les bienvenus et pourront être intégrés à la création. Pendant l'atelier, les participants conçoivent le motif botanique de leur abat-jour à partir de végétaux séchés et de matériaux naturels. La lampe artisanale est ensuite fabriquée dans l'atelier Viaplant après l'événement. La lampe terminée pourra être retirée dans un délai de quatre semaines à l'Institut Liszt Bruxelles. Il est également possible de la faire expédier à l'adresse de votre choix moyennant des frais de livraison. Les enfants sont les bienvenus, à condition d'être accompagnés et surveillés par un adulte.


INFORMATIONS PRATIQUES

Vendredi 02/10/2026 – 17 h et 18 h 30
Samedi 3 octobre 2026 – 10 h, 11 h 30, 14 h, 15 h 30, 17 h

Durée : 1 h 30 à 2 heures

Frais de participation :
128 € pour une lampe
110 € par lampe à partir de deux lampes

Lien d'inscription : https://viaplant.com/en/shop/workshop/leaf-lab-lamp-making-workshop-brussels/

Papier Boulettes est un projet de fresques monumentales en papier recyclé, né en 2021 à Bruxelles de la collaboration entre Maud Bocquet et Zélie Boulestreau.
Les fresques sont le plus souvent réalisées in situ, à partir de papier et de cartons glanés sur place. En s'inspirant de techniques d'isolation écologique, la pulpe de papier recyclé est déployée sur les murs. Ce procédé simple, entre art et artisanat, donne naissance à des motifs complexes, animaux, végétaux et minéraux.

Artiste pluridisciplinaire et directrice artistique de Papier Boulettes, Zélie Boulestreau apporte au projet son savoir-faire de papetière et son intérêt pour le vivant et la préservation des écosystèmes, nourri par sa connaissance des plantes qu'elle cultive dans son jardin pyrénéen.

Les Chercheurs de lumière est un projet dans lequel nous créons des images de personnes et les transformons en « lichtzoekers ». Ces images sont installées dans le centre de Bruxelles, suspendues aux façades ou posées contre elles, dans des postures qui suggèrent qu’elles grimpent ou tendent les bras vers le haut. Ensemble, les chercheurs de lumière forment un parcours à travers la ville. Ils invitent les passants à lever les yeux. Dans une ville parfois grise, ils nous rappellent le désir d’air et de lumière. Les chercheurs de lumière sont à la fois des habitants du quartier et des figures plus connues, des personnes aux origines et aux histoires diverses, qui composent ensemble la ville. Chaque modèle devient une partie du projet et, ainsi, d’un récit collectif.

Notre atelier sera ouvert les 25, 28 et 30 septembre ainsi que le 2 octobre,
de 9 h à 17 h.

LIONNES, un projet artistique collectif qui utilise le design comme outil d'émancipation, de création partagée et de valorisation des récits de femmes souvent invisibilisées.

salle Pandorre bâtiment L au rez de chaussée.

Notre programme, conçu comme un atelier à la fois mental et physique, est unique car il intègre la conception pratique au cursus. Il se veut un lieu de rencontre entre idées, expérimentations, matériaux et outils. Notre mission : concevoir est un processus vivant où la réflexion et l’action, dans une interaction constante entre le corps et l’esprit, se conjuguent de manière stimulante. L’ADN de LUCA repose sur le fait que les étudiants partent de leurs propres intérêts, passions et talents.

À l'occasion de la Design Week Brussels 2026, Nous sommes ici ouvre les portes de son bureau, installé au sein du projet GROW, et invite Cru atelier à y présenter une exposition consacrée à ses recherches sur la matière et le design. Cette rencontre met en dialogue deux pratiques qui, à des échelles différentes, partagent une même manière de concevoir : une attention portée au processus, à la matérialité, au détail et à la mise en œuvre. Architecture et artisanat s'y nourrissent d'une réflexion commune où la forme émerge d'un dialogue entre contexte, matière, technique et usage.

Conçu par Nous sommes ici, GROW est un lieu de travail partagé organisé autour d'un jardin central. Développé à partir de l'existant, le projet privilégie le réemploi, les matériaux biosourcés et une architecture attentive aux ressources, au paysage et aux usages.

À travers cette journée portes ouvertes, Nous sommes ici partage son approche, fondée sur trois champs complémentaires : la stratégie, l'architecture et le paysage.

En résonance avec cette démarche, Cru atelier, fondé par Sarah El Yousefy et Nina Ouchinsky, présente une sélection de recherches, d'expérimentations et de prototypes développés depuis 2023. Terre crue, chaux, chanvre et fibres naturelles deviennent les supports d'une exploration du design, des savoir-faire artisanaux et des matériaux géosourcés, où chaque objet naît d'un dialogue entre expérimentation, technique et sensibilité.

Plus qu'une simple exposition au sein d'un projet architectural, cette rencontre révèle les liens qui unissent deux disciplines : la création comme processus, où penser, expérimenter et construire participent d'un même mouvement.

Le temps de cette exposition et de ces portes ouvertes, la rencontre entre Cru atelier et Nous sommes ici fait de GROW un lieu d'exploration, où architecture, design et artisanat dialoguent à travers la matière, le geste et le projet. Une invitation à découvrir le processus créatif qui relie la réflexion, l'expérimentation et la forme.

Lis la présentation d’Alphonse via le lien!

Lis la présentation d’Baci via le lien !

Lis la présentation d’Le Petit Bon Bon via le lien !

Lis la présentation d’Materiatek via le lien !

Lis la présentation d’Rambo via le lien!

Lis la présentation d’Swookies via le lien!

Lis la présentation d’The Unusual via le lien !

Nous avons une boutique de mobilier sur mesure dans un beau quartier d'Ixelles. Nous voudrions y ouvrir nos portes pour accueillir du monde.

Dans la continuité de U.NION, G&J CO.LAB poursuit sa recherche collaborative avec O.NION, un projet textile en constante évolution développé sous la forme d’une série d’épisodes. Le premier chapitre sera dévoilé en septembre. Avec O.NION, G&J CO.LAB explore le corps en tant que construction par couches — un espace de transformation où le textile, le geste et le mouvement interagissent. Le projet se compose de pièces textiles conçues à la fois comme une composition murale et comme des vêtements destinés à être portés sur le corps. Présentés à plat, les éléments existent dans un état suspendu — un moment de latence, en attente d’activation. Détachés et portés un à un, ils transforment progressivement la composition statique en une présence en mouvement. À l’instar des couches d’un oignon, chaque pièce agit comme une enveloppe : elle protège, révèle, dissimule et transforme. Par l’accumulation et le retrait, le corps est continuellement redéfini. Chaque élément est développé à l’aide d’une technique textile spécifique — tissage, tricot, feutrage, broderie, perlage — formant un vocabulaire de gestes et de matières. Le corps devient le lieu où l’œuvre s’active, où le textile quitte son état suspendu pour entrer en mouvement. Ce premier épisode se déploie à travers un monochrome noir profond, conçu comme une matière lumineuse et active.

Studio ouvert présentant des œuvres nouvelles et existantes de studiokhachatryan, révélant l’évolution de sa pratique ainsi que son exploration continue des matériaux, de la forme et du savoir-faire artisanal.

Pour la BX Design Week, trois visions créatives complémentaires ouvrent les portes de leur showroom partagé. À la croisée de l'artisanat d'art et du design contemporain, cette exposition collective invite le public à un voyage immersif explorant le dialogue entre la terre, le papier et la forme. Atelier Moya : Encadrement sur-mesure pour les arts graphiques et design d'objet minimaliste. KitchenGravure by Lea : Estampes contemporaines éco-responsables et gravures d'inspiration brutaliste. Bérénice Milon : Artiste et designer, présentant une nouvelle collection de céramiques.

À l’occasion de la Brussels Design Week, OpenStructures organise un MARKET dédié aux petits meubles et objets utilitaires conçus et fabriqués selon son concept modulaire ouvert. Ce marché collaborative contient des lampes en cire naturelle de Baguette Studio, paniers et crochets de Diane Steverlynck et Maud Vande Veire, sacs et boites de Packbags, crochets muraux de Labt, ainsi que des pièces d’archives d’OS_Studios et quelques nouveautés. Toutes les pièces sont conçues selon les principes de l'économie circulaire : elles peuvent être démontées après utilisation et leurs composants réutilisés au sein du système ouvert. Si elles ne sont plus souhaitées ou nécessaires, les pièces peuvent être réintégrées dans le système, évitant ainsi tout gaspillage.

Studio Porcepolis est un atelier de céramique bruxellois qui s'inscrit dans une démarche d'économie circulaire et de production zéro déchet. Son travail allie artisanat, durabilité et esthétique contemporaine, avec une attention particulière portée aux objets fonctionnels tels que la vaisselle. Chaque pièce est façonnée à la main dans l'atelier, en utilisant autant que possible des matériaux de récupération ou d'origine locale. L'atelier intègre des techniques de surcyclage, transformant des éléments mis au rebut ou imparfaits en de nouvelles formes. Par cette approche, Studio Porcepolis interroge les cycles de production conventionnels tout en explorant le potentiel esthétique du réemploi. Le travail se caractérise par un équilibre entre simplicité et texture, où de subtiles irrégularités soulignent le caractère artisanal de chaque objet. Studio Porcepolis crée des pièces à la fois durables et porteuses de sens, encourageant une relation plus consciente avec les objets du quotidien.

Nous ouvrons nos ateliers (bois et métal) pour montrer nos créations circulaires et les nombreux projets réalisés pour nos clients à Bruxelles.

À l'occasion du 20e anniversaire de Design September, et dans la foulée du succès de Shifting Ground l'année dernière, nous lançons cette année « A Garden Party » : une exposition immersive articulée autour de l'idée de la fête comme espace de rencontre, de création et de réflexion collective. L'exposition réunira les œuvres de designers belges et européens. Au-delà de sa dimension festive, l’exposition s’enracine dans un paradoxe : organiser une célébration à une époque où l’expression sociale, économique et créative est de plus en plus fragile. La garden-party, historiquement associée à certaines formes de privilège, est ici réinterprétée comme un dispositif à la fois critique et poétique — une manière de questionner la façon dont nous nous réunissons et dont nous choisissons de célébrer.

STUDIO WITH A VIEW
Depuis plus de quinze ans, Studio with a View réunit designers, artistes, créateurs textiles et peintres décorateurs dans un atelier partagé. Après son déménagement de Molenbeek vers l’avenue Poincaré, le collectif poursuit un dialogue entre art, design et artisanat à travers une attention commune portée à la matière. À l'occasion de la Brussels Design Week, la cour couverte se transforme en une île accueillant une exposition collective de pièces, prototypes et recherches matérielles des résidents. Chaque pratique conserve sa singularité tout en participant à une réflexion commune autour du geste, du processus et de la matérialité. L'exposition cohabite avec l'activité quotidienne des ateliers, ouverts aux visiteurs tout au long de l'événement.
La journée débute à 11h00 autour d'un brunch partagé. L'atelier et l'exposition sont ouverts jusqu'à 18h00.

FLORA HUBOT
Flora Hubot axe sa pratique sur l’exploration de la surface, mêlant des techniques artisanales telles que la fabrication de papier et la peinture d’imitation. Son approche figurative, nourrie par l’observation de la société qui l’entoure, donne naissance à un univers singulier de formes, où la matière entre en dialogue avec l’image.

LAURE KASIERS
Designer textile et artisane, Laure Kasiers crée et fabrique des tapis, des pièces uniques pour orner sols ou murs, dans son atelier à Bruxelles. Grâce à une technique personnelle non-conventionnelle naissent des formes et des motifs souvent organiques.

NEL VERBEKE
Nel Verbeke est une designer conceptuelle et artiste, dédiée au potentiel émotionnel du design. Partant d’une recherche approfondie, elle conçoit des situations et des objets qui interrogent et transforment notre relation à nous-mêmes et à notre environnement.

PIERRE-YVES MOREL
Pierre-Yves Morel est un peintre décorateur spécialisé dans les imitations de bois et de marbres. Il travaille principalement dans des résidences privées et crée en parallèle des objets d’allure contemporaine en utilisant – voire en détournant – des techniques traditionnelles.

TERRAIN VAGUE
Terrain Vague est né de la rencontre entre le designer Damien Gernay et la céramiste Julie Istasse. Inspirés par les formes, les textures et les phénomènes naturels, ils créent des objets en céramique où dialoguent savoir-faire artisanal et nouvelles technologies. Chaque pièce est une invitation à ralentir, à observer et à renouer avec la nature.

Dans une pièce sans fenêtre aux carreaux noirs dans mon atelier, je aimerais présenter quelques nouvelles créations réalisées cet été. Au centre, un lit en acier dont la tête et le pied de lit sont ornés de 70 boules de chêne noirci. Une matière brute pour des rêves doux. À côté, deux meubles en pin construits autour d'une forme trouvée métallique. Deux pièces uniques. Quelques lampes conçues au cours de l'année écoulée complètent cet aménagement, offrant un bel aperçu de mes deux premières années de Medium Triske (la partie design). En entrant, les visiteurs peuvent entrevoir l'atelier et se laisser divertir par quelques improvisations au luth.

The Dominican porte les traces d'un lieu de foi, de contemplation et de rituels collectifs.
The Secular Chapel explore la manière dont cette quête prend aujourd'hui de nouvelles formes. L'exposition réunit des designers qui développent objets, matériaux et récits comme autant de vecteurs contemporains d'attention, de désir et d'imagination.
Là où les chapelles étaient autrefois remplies d'icônes et de reliques, l'exposition présente une collection de nouveaux artefacts. Non pas comme des objets de dévotion, mais comme des invitations à la réflexion. Chaque œuvre propose son propre système de valeurs, une mythologie personnelle ou un futur possible.
L'exposition ne présente pas le design comme une solution, mais comme une pratique culturelle qui produit du sens. Les visiteurs sont invités à s'arrêter sur ce qui a encore de la valeur aujourd'hui, sur ce qui nous relie, et sur les récits que nous choisissons de transmettre.
The Secular Chapel n'est pas un lieu de foi, mais d'attention.

Bruxelles est l’une des villes les plus méconnues d’Europe : sa réputation évoque un centre commercial et diplomatique gris, raffiné mais un peu distant.
Ce stéréotype passe à côté des courants vivants, ludiques et décalés qui ont toujours défini Bruxelles, de la bande dessinée aux courbes extravagantes de l’Art nouveau. Certes, c’est une ville de costumes et de salles de réunion, mais c’est aussi celle de la mode contemporaine, des marchés aux fleurs, de la musique New Beat et du design d’avant-garde.
Mais avant tout, Bruxelles est un creuset culturel, un carrefour où 183 nationalités, d’innombrables langues et des idées audacieuses façonnent l’avenir de l’Europe et du monde.
C’est en gardant ces courants à l’esprit que The Standard, Brussels a fait son entrée en scène. Le Quartier Nord offre le cadre idéal pour une nouvelle vision de Bruxelles. Dans ce quartier, les immeubles d’habitation et les tours de bureaux des années 60 ont remplacé une scène architecturale autrefois dynamique, introduisant un nouveau vocabulaire brutal : tout au travail, rien au plaisir. Plutôt que de lutter contre cette histoire, The Standard a cherché à la réinterpréter, à insuffler à son propre rectangle d’acier des touches de couleur, de chaleur et de verdure.
Le résultat est un hôtel qui rend hommage à l’histoire complexe du quartier tout en proposant une voie créative pour l’avenir. Implanté sur le site de l’ancien World Trade Center des années 1970, The Standard confère enfin au Quartier Nord un sentiment d’appartenance et une âme.
L’architecture est considérée à la fois comme un artefact et un cadre : son échelle et sa structure sont respectées, tandis que de nouvelles couches apportent chaleur, texture et interventions à échelle humaine. Là où certains voient Bruxelles comme une ville en conflit avec elle-même, The Standard a perçu une matrice de contradictions fascinantes à célébrer, et non à résoudre.
Le design établit un équilibre entre dureté et douceur, angles droits et formes organiques, pragmatisme et poésie. Cette tension anime un ensemble vivant d’espaces publics, de la serre du rez-de-chaussée à la salle à manger du dernier étage. Un mélange réfléchi de mobilier sur mesure et de pièces vintage fusionne passé et présent, tout comme The Standard juxtapose le haut et le bas, le futurisme et la nostalgie.
Chaque espace récompense la curiosité, la lenteur et le souci du détail. Les espaces intérieurs se dévoilent comme une succession de découvertes plutôt que comme de grands gestes.
Les espaces publics encouragent le mouvement et la spontanéité, tandis que les zones plus calmes invitent à la réflexion et au recueillement. Les matériaux s’inspirent de références locales – traditions artisanales, textures urbaines et riches palettes de couleurs – réinterprétées à travers un prisme contemporain. L’éclairage, l’acoustique et les rythmes spatiaux sont calibrés pour créer des ambiances qui évoluent au fil de la journée, reflétant le tempo changeant de Bruxelles.
La communauté est au cœur du concept. Bruxelles est l’une des villes les plus internationales d’Europe, façonnée par des échanges culturels constants. Le projet s’appuie sur ce dynamisme grâce à des espaces inclusifs et modulables qui allient à la fois une dimension locale et internationale. Les espaces communs servent de lieux de rencontre où se croisent résidents, visiteurs et créatifs. L’hospitalité est repensée comme une expérience civique, faisant de ce bâtiment à la fois un refuge et un lieu d’échange. En mettant en lumière ce qui a longtemps été négligé, The Standard, Brussels propose un nouveau récit pour le Northern Quarter et pour la ville elle-même — un récit qui célèbre l’innovation, la collaboration et le potentiel.
À travers l’architecture et la décoration d’intérieur, le projet ancrent un sentiment renouvelé d’appartenance, offrant à Bruxelles une scène sur laquelle ses histoires méconnues peuvent enfin être vues et ressenties.

Chaque année, les Commerce Design Awards dressent la cartographie des espaces commerciaux exceptionnels et accueillants, servant de guide pratique tant pour les habitants que pour les visiteurs de Bruxelles.

Inutile d’insister sur la manière dont le design façonne nos vies — mais lorsqu’il s’agit de commerces et de lieux d’hospitalité, une question fascinante se pose : qu’est-ce qui rend un espace commercial vraiment agréable ? Pourquoi y retournons-nous, encore et encore, avec enthousiasme ?

Les espaces commerciaux sont devenus des lieux de rencontre quotidiens, où le design ergonomique, les matériaux, le mobilier, les couleurs et l’éclairage influencent notre humeur, notre bien-être et notre expérience.

Cette année, le jury a évalué les candidatures sous toutes les dimensions de l’excellence — de l’originalité, la fonctionnalité et l’ergonomie à la conception du mobilier, l’aménagement, le choix des matériaux et les harmonies de couleurs.

Il a également pris en compte les solutions innovantes, la cohérence conceptuelle, la qualité visuelle et l’harmonie des formes. Une attention particulière a été accordée à la durabilité et à l’impact social, soulignant le rôle du design au-delà de l’esthétique.
Découvrez les réflexions du designer belge Alain Gilles, président du jury des Commerce Design Awards de cette année, dans notre interview exclusive, où il partage son regard sur le concours et sur les espaces lauréats qui nous inspirent tous.

Portrait d’Alain Gilles, Photo : Mathilde Hiley

Site officiel d’Alain Gilles : http://www.alaingilles.com/fr

Lisez l’interview via le lien ci-dessous!

L’exposition « Transcarpathian Slow Fashion » présente l’univers unique de la marque de mode hongroise BY ME, fondée par la créatrice de mode hongroise Tünde Hrivnák. Inspirée des traditions populaires hongroises et du savoir-faire artisanal, la marque transforme le patrimoine culturel en une mode de luxe contemporaine tout en promouvant la durabilité, l’identité culturelle et l’excellence artisanale. L’élément central de l’exposition est la Collection inspirée des motifs de Transcarpatie, une collection de mode contemporaine puisant son inspiration dans le patrimoine culturel hongrois de la Transcarpatie (la région la plus occidentale de l’Ukraine, où des communautés hongroises vivent depuis des siècles). La collection réinterprète trois traditions artisanales emblématiques de cette région : les textiles tissés à la main de Bereg, la broderie au point de croix de Nagydobrony et le patrimoine des motifs de broderie au point de croix de Bereg. Les créations associent le savoir-faire traditionnel au design contemporain, donnant naissance à de véritables œuvres d’art à porter. En complément de cette collection principale, l’exposition présente également un aperçu d’autres collections mettant en valeur des traditions dentellières uniques et d’autres formes d’artisanat d’exception. Dans leur ensemble, ces collections montrent comment l’artisanat traditionnel hongrois peut être préservé, revitalisé et réinventé pour le XXIᵉ siècle. « Transcarpathian Slow Fashion » célèbre le patrimoine culturel, un design conscient et durable, les œuvres d’art ainsi que l’importance du savoir-faire artisanal réalisé à la main.

Né à Anvers, originaire du Nord de l’Espagne, Angel Barrero se forme très tôt à la sculpture auprès de son père. Cette transmission artisanale fonde un lien profond entre savoir-faire traditionnel et création contemporaine. Maître contemporain du stuc-marbre et de la scagliola, il consacre depuis de nombreuses années ses recherches à ces techniques historiques, qu’il enrichit au fil de collaborations et de formations auprès de maîtres reconnus en France, en Italie, en Espagne et en Belgique. Aujourd’hui, il réinterprète ces procédés anciens dans une écriture singulière, à la croisée de la sculpture, du design d’objet unique et de la peinture abstraite expressionniste. Son travail a été présenté dans plusieurs galeries, notamment à New York. Il dirige également sa propre galerie à Bruxelles, entièrement dédiée à ses créations en stuc marbre.

À l’occasion de la Brussels Design Week, Unveiled Collective serait heureux de participer à nouveau, cette fois avec son propre lieu. Le projet prend place dans une maison de maître typiquement bruxelloise, située près de Flagey. Destiné à devenir à terme une galerie d’art et une maison d’hôtes, le bâtiment sera investi temporairement par Unveiled dans son état brut, avant sa rénovation. Cette condition inachevée devient une composante essentielle du projet, permettant aux œuvres d’entrer en résonance directe avec l’architecture. Cette année marque une nouvelle étape pour Unveiled, qui évolue vers une approche davantage curatoriale. Plutôt que de présenter uniquement son propre travail, le collectif invite une sélection de designers et d’artistes basés en Belgique, avec une attention particulière portée à la jeune scène belge. Pièces uniques et œuvres de collection seront réunies dans une mise en espace soigneusement composée, faisant dialoguer différentes pratiques et perspectives. À travers cette démarche, Unveiled se positionne non seulement comme une plateforme de présentation, mais aussi comme un curateur, façonnant le contexte, les échanges et l’expérience spatiale. À nos yeux, ce nouveau chapitre entre en résonance étroite avec l’évolution de la Brussels Design Week.

Nous sommes ravies de soumettre notre candidature pour la Brussels Design Week, portée par deux projets qui, bien que distincts dans leur démarche, partagent une même sensibilité : celle du beau, du durable et du sensé. Upcycled by Zoé et Nordic Art by Women s'associent pour vous proposer une expérience à deux voix. Zoé chine, imagine et transforme. Des luminaires, des meubles, des objets du quotidien trouvent sous ses mains une seconde existence, une nouvelle identité. Son travail est celui d'une créatrice qui voit le potentiel là où d'autres voient la fin : upcycler, c'est raconter une nouvelle histoire à partir d'une ancienne. Nathalie, quant à elle, met en lumière un pan souvent méconnu de l'histoire du design nordique : celui des femmes designers des années 60 et 70. Une sélection d'objets authentiques, porteurs d'une esthétique épurée et intemporelle, choisis pour leur qualité et pour rendre hommage à des créatrices trop longtemps restées dans l'ombre. Ensemble, nous proposons bien plus qu'une vitrine de beaux objets. C'est une invitation à repenser notre rapport aux choses, les créer autrement, les choisir avec intention et les transmettre avec soin. Nous serions honorées de contribuer à la Brussels Design Week, un événement qui incarne précisément ces valeurs de création consciente et de design engagé. Nous restons à votre disposition pour tout complément d'information et espérons avoir le plaisir de vous retrouver lors de cet événement. Cordialement, Zoé & Nathalie Upcycled by Zoé | Nordic Art by Women

En 2026, les Cristalleries du Val Saint-Lambert célèbrent leur bicentenaire. Pour marquer cet anniversaire, le Design Museum Brussels s’associe à plusieurs institutions muséales et scientifiques afin de mettre en lumière ce fleuron de la création et du patrimoine industriel belge. En collaboration avec le Musée du Verre de Charleroi et curatée par Catherine Thomas et Anne Vanlatum, l’exposition "Val Saint-Lambert & Design" se consacre à la création du Val Saint-Lambert, allant de l’Exposition universelle de 1958 au début des années 2000, une période qui témoigne d’un renouvellement créatif sans précédent. À travers cette exposition conjointe, le Design Museum Brussels et le Musée du Verre de Charleroi invitent ses publics à découvrir le Studio Crystal, chapitre fondateur de l’histoire contemporaine du verre, reflet du dynamisme, de l’innovation et du rayonnement international des Cristalleries du Val Saint-Lambert.

Un été vibrant, une terre ardente. Conversations botaniques entre art et design. L’été a toujours été une saison de liberté, de lumière, de voyage et de célébration. C’est le moment où la nature atteint son plus haut degré d’intensité et de couleur. Pourtant, ces dernières années, cette beauté éclatante s’est accompagnée d’une autre réalité : des vagues de chaleur prolongées, la sécheresse et des paysages poussés au-delà de leurs limites. Un été vibrant, une Terre en feu explore cet équilibre fragile à travers trois regards créatifs unis par un langage commun : LES PLANTES. Dans les bijoux en porcelaine de ZEMA, les objets de design végétal de Viaplant et les œuvres botaniques de Barnabás Szakács, la nature devient à la fois ornement, matière, mémoire et message. L’exposition célèbre la beauté et la richesse du monde botanique tout en posant discrètement une question urgente : comment pouvons-nous continuer à admirer la nature si nous ne parvenons pas à la protéger ? C’est une conversation où la nature trouve sa voix à travers l’art et le design. // Viaplant La nature devient matière. Viaplant explore le point de rencontre où la nature devient design. En utilisant de véritables plantes comme matière première, le studio crée des surfaces, des luminaires et des objets d’intérieur qui préservent la texture, la mémoire et l’identité des paysages botaniques. Chaque création nous invite à redécouvrir notre relation avec le monde naturel. Barnabás Szakács La nature devient art. À la fois architecte paysagiste et artiste visuel, Barnabás Szakács considère les plantes comme des archives vivantes plutôt que comme de simples motifs décoratifs. Ses œuvres associent la peinture à de véritables matériaux botaniques, révélant le dialogue fragile entre la nature, la culture et le temps. Chaque composition conserve les traces d’un paysage tout en proposant une réflexion sur notre relation en constante évolution avec la Terre. ZEMA La nature devient bijou. ZEMA est une marque hongroise de bijoux en porcelaine familiale, dédiée à la préservation et à la transmission aux générations contemporaines des valeurs culturelles et artistiques du patrimoine hongrois. Alliant un profond respect des traditions à un engagement envers l’art et la culture, ZEMA crée des collections de bijoux uniques entièrement conçues et fabriquées au sein de son propre atelier. La durabilité constitue un élément essentiel de la philosophie de la marque : tous les matériaux de production sont recyclés, garantissant un processus de fabrication sans déchets. Grâce à un savoir-faire exceptionnel et à un design distinctif, ZEMA réunit patrimoine, créativité et production responsable dans chacune de ses créations.