À la croisée du design de la sculpture et de la peinture, Stéphane Tambeur explore la manière dont la forme, la lumière et la couleur peuvent moduler notre perception de l’espace.
À travers des objets muraux lumineux, des structures suspendues ou des volumes colorés, chaque œuvre propose une expérience visuelle qui oscille entre rigueur géométrique et poésie sensorielle.
Les LightScapes sont des sculptures lumineuses murales où la lumière devient matière et profondeur.
Ces formes creusées agissent comme des alcôves silencieuses, organisant l’espace mural autour d’une lumière douce et indirecte.
Entre mobilier minimal et architecture miniature, elles invitent à la contemplation, dans un équilibre subtil entre fonction et abstraction.
Les mobiles, aux lignes flottantes, presque musicales, dessinent dans l’air une architecture fragile et mouvante. Leurs équilibres silencieux créent une chorégraphie lente, en suspension.
Ce sont des œuvres ouvertes, aériennes, qui dialoguent autant avec le vide qu’avec l’environnement qui les accueille. Les peintures murales en volume, aux couleurs franches et saturées, relèvent à la fois de la peinture, du relief et du design.
Chaque pièce articule des plans colorés à des courbes ou tensions sculptées. Ce sont des modules à la frontière de l’objet et de l’image, qui jouent avec les ombres portées et l’illusion optique, tout en affirmant leur matérialité dans l’espace.
À travers l’installation All Means, All Materials, les studios BlackWool et MINIMÈTRE s’associent pour explorer la fabrication contemporaine comme terrain d’hybridation entre gestes artisanaux et outils numériques.
Le cœur du projet: un canapé, conçu comme une pièce manifeste, où se rencontrent des matériaux issus de pratiques radicalement différentes.
La laine, cardée puis filée à la main, est enrichie de multimix, un mélange de fibres récupérées dans les déchets de production textile.
Elle côtoie des éléments en céramique imprimée en 3D — une forme de production artisanale pilotée par la technique additive — et des profilés en aluminium extrudé, issus d’un procédé industriel standardisé.
Chaque matériau incarne un mode de fabrication, un rythme, une relation au geste. Ensemble, ils forment un objet fonctionnel et narratif, révélateur des tensions et des complémentarités entre tradition, innovation et production.
Autour de cette pièce centrale, l’exposition dévoile les coulisses du projet : essais, outils, échantillons, récits de fabrication.
L’ensemble compose une méthode de travail sensible et ouverte, où la matière dicte autant qu’elle dialogue.
All Means, All Materials est une invitation à reconsidérer les manières de faire, de produire, de transmettre.
Un lieu de vie chaleureux et épuré, alliant durabilité et fonctionnalité. Imaginé par l’architecte Carl-Eric de Sivers, Alphonse Café propose un univers sensible et structuré, à la fois enraciné dans le quartier du Fort-Jaco et porté par une vision contemporaine du café de quartier.
Le design joue sur un équilibre subtil entre teintes chaleureuses et lignes épurées. Les murs sont enduits d’une peinture à base de poudre de marbre St Leo, dans des tons chauds et enveloppants qui diffusent une lumière douce tout au long de la journée.
Ce fond feutré dialogue avec des accents en inox, utilisés pour esthétiser certains éléments techniques, qui apportent rigueur et légèreté visuelle à l’ensemble.
Le mobilier personnalisé, réalisé par Duplex Studio, se compose de tables, tabourets et bancs en bois recyclé (chutes de parquet Arbony) et métal galvanisé.
Ce travail artisanal et local renforce l’authenticité du lieu tout en affirmant son engagement durable. Le comptoir est habillé de mosaïques en deux teintes permettant de distinguer la partie caisse de la partie culinaire.
Sa finition mate et sa teinte naturelle s’intègrent parfaitement dans la palette générale.
Dans la perspective d’entrée, une arche orange marque un passage fort et invite à traverser un couloir plus intime, baigné de lumière indirecte et conçu comme un prolongement plus feutré de la salle principale.
Le projet Alphonse allie ainsi sobriété, chaleur et durabilité, dans un langage architectural sobre et engagé, au service d’un café où l’on se sent bien dès le seuil franchi.
Amoroma, la nouvelle marque belge de maroquinerie, conçue en Belgique par architecte d’intérieur Géraldine Vincent.
Les modèles de sacs, ceintures et chaussures sont fabriquées en Italie, dans deux ateliers à florence et un troisième sur la côte adriatique. Audace. Élégance. Créativité. Ce concept- store
Amoroma, vous invite à découvrir ses créations et à vous plonger dans son univers singulier.
Boutique Amoroma ouvre le 1er septembre et est située n° 533 Chaussée de Waterloo, à deux pas de l'avenue Louis Lepoutre . Soirée d'inauguration le 18 septembre de 17h à 22h.
L’exposition « Art Déco 1925 >< Mode 2025 » propose une réinterprétation de l’Art déco à travers le prisme de dix créateurs bruxellois.
En écho aux images et aux magazines de l’époque, où dessins et photographies témoignaient de la créativité des couturiers de l’entre-deux-guerres, chaque designer présente sa vision contemporaine des codes du mouvement à travers une silhouette de mode.
Avec le soutien de : Musée Mode & Dentelle, Caroline Esgain. Ville de Bruxelles. Loterie Nationale.
Cette exposition s’inscrit dans le cadre de l’Année Art Déco 2025, organisée conjointement par urban.brussels et visit.brussels, en collaboration avec l’asbl Patrimoine & Culture.
Céramiques & mises en scènes imaginaires: quand la céramique s’invite à table et que les tables deviennent des oeuvres!
Trois jours pour découvrir un monde où la céramique dialogue avec l’imaginaire, où chaque table devient un tableau vivant.
Artisans et céramistes vous invitent à explorer des univers sensibles, des objets façonnés à la main, des compositions qui réenchantent l’art de recevoir.
Entre matières brutes, lignes organiques et inspirations contemporaines et vintage, Arty Tables célèbre le beau, le fait-main et la magie des détails.
Chez Atelier HD, nous façonnons des objets en céramique qui habitent l’espace autrement : ni tout à fait œuvres, ni tout à fait objets fonctionnels.
Notre terrain de jeu, c’est la frontière entre l’art et le design – un espace mouvant où la main, la matière et la forme dialoguent librement.
Avec ARCUUM, nous avons eu envie d’explorer cette ligne de crête. Le mot vient du latin arcus : l’arche, le pont, le passage.
Pour nous, il symbolise ce lien entre deux mondes – l’émotion d’une pièce unique et la présence d’un objet pensé pour l’habitat.
ARCUUM, c’est une invitation à traverser, à regarder autrement ce que peut être un objet d’intérieur quand il est né d’un geste artistique.
Nous travaillons à quatre mains dans un rythme lent et physique. La terre est notre matière première, et elle guide beaucoup.
Rien n’est automatisé, chaque pièce passe par un long processus de façonnage, d’assemblage, de cuisson, d’émail. Le temps fait partie de l’objet. Et c’est ce qui rend chaque création vivante et singulière.
À travers ARCUUM, nous voulons montrer que le design peut être une œuvre, et qu’un geste artisanal peut transformer un espace. Nos pièces sont faites pour durer, pour interpeller, pour créer des dialogues visuels, sensibles, parfois même architecturaux.
Pendant le week-end du 20 au 21 octobre, nous exposerons nos créations au 29th October, une magnifique boutique située au cœur du quartier du Sablon, l'un des quartiers les plus emblématiques et les plus artistiques de Bruxelles.
Nous sommes reconnaissants au 29th October de nous avoir ouvert ses portes et d'offrir un espace où la céramique peut rencontrer la mode.
Entourées d'objets intemporels et de pièces soigneusement sélectionnées, nos créations trouveront leur place dans un cadre qui reflète les mêmes valeurs qui nous sont chères : authenticité, souci du détail et émotion.
Cette collaboration s'inscrit dans le cadre de notre projet ARCUUM, un pont entre l'art et le design, et nous sommes ravis de la partager dans un contexte aussi significatif et inspirant.
Atelier Tou est une maison de création qui fabrique de la vaisselle sensible et des objets contemporains pour l’intérieur, en revisitant les techniques ancestrales de la céramique.
Chaque pièce est conçue et fabriquée à la main à Bruxelles par Anna Tou, créatrice des collections, dans le respect d'un savoir-faire traditionnel, équilibrant élégance et fonctionnalité.
Imagines: Jérôme Hubert, Jules Toulet
Plus d'informations: https://www.facebook.com/atelier.tou/
Nous sommes un groupe nouvellement formé de studios de design indépendants récemment réunis par notre occupation commune de l'ancienne caserne de police d'Ixelles, un espace qui a été réactivé en tant que centre temporaire pour des projets sociaux et environnementaux.
Chacun d'entre nous apporte un langage de conception et une approche matérielle distincts, mais nous sommes liés par un intérêt commun pour la création d'objets significatifs et responsables qui répondent aux besoins d'aujourd'hui.
Dans le cadre du Brussels Design September, nous organisons une exposition dans le grand hall de la caserne, où nous présentons une sélection de nos propres travaux ainsi que ceux de designers invités issus de notre réseau élargi.
L'exposition célèbre les nouvelles voix du design, ancrées dans l'expérimentation des matériaux, les processus durables et la réflexion critique sur la vie contemporaine.
L'exposition met particulièrement l'accent sur un événement de finissage. Notre objectif est de créer une expérience spatiale engageante qui reflète la diversité de nos pratiques tout en favorisant le dialogue autour du design en tant qu'outil ayant un impact environnemental et social positif.
L'exposition mettra en avant non seulement les pièces finies, mais aussi les processus, les prototypes et les collaborations interdisciplinaires qui reflètent la nature dynamique et évolutive de notre collectif.
En plus de l'exposition, nous participons au week-end OpenDoors. Nous offrons aux visiteurs un aperçu des coulisses de nos pratiques individuelles, en guise d'avant-goût de l'exposition qui ouvrira ses portes la semaine suivante.
Le site propose plusieurs visites d'ateliers regroupées dans un lieu facilement accessible, favorisant les échanges informels et renforçant les liens entre les designers et la communauté au sens large.
L'exposition et OpenDoors sont une excellente occasion de mettre en lumière notre présence émergente en tant que groupe et de contribuer à la conversation plus large facilitée par Brussels Design September : un moment pour ouvrir nos portes, partager notre travail et établir des liens avec le public et la communauté du design dans son ensemble.
Ateliers Ursquare Alloya Atelier – Béatrice Vancaillie Ateliers Pollen – Léonie Alexis et Alexandre Nadaud Atelier Popi – Alix Nicolas DriesDries – Dries Hamels Aiko – Thomas Raa Frau Steiner – Meriem Steiner et Marie Troadec Studio Minimetre – Bérénice de Salvatore, Bastien Chevrier Amandine David Ohme – Gwenaël Sauvage Alizée Rubino
La designer Roxane Lahidji, fondatrice de Marbled Salts, crée des meubles, lampes et objets dans un matériau innovant qu’elle a développé à partir de sel marin. La galerie Augusta, spécialisée en design durable, présente son travail au cœur du Sablon du 19 septembre au 30 novembre 2025. L'exposition met notamment l'accent sur les créations les plus récentes de Roxane Lahidji. Parmi celles-ci, des pièces murales, véritables paysages de sel qui évoquent le dessin du vent dans les dunes. Augusta présente également des pièces emblématiques de son travail, telles que les lampes Planet. Originaire de Paris, Roxane Lahidji vit à Bruxelles et a installé son studio à Zaventem Ateliers. Ce premier solo show met en lumière le caractère unique et innovant de son travail qui séduit de Londres à New York. Roxane Lahidji at Augusta 19 septembre - 29 novembre Jeudis/vendredis/samedis de 14h à 18h Fermé le samedi 1er novembre
Bienvenue chez BACI, une porte ouverte sur l’authenticité et le raffinement italien.
Chaque recoin murmure les récits d’une Italie vibrante et élégante, évoquant les parfums et les paysages d’une région ensoleillée où l’hospitalité est une vocation. Ici, les saveurs s’accordent avec l’art de recevoir et les plats racontent l’histoire de nos racines.
Chez BACI, l’Italie se déguste, se vit et surtout… se partage.
Boaboa Records Café est un espace hybride et immersif, conçu pour la découverte, l’échange et l’immersion sensorielle.
Plus qu’un simple café, c’est un lieu de rencontre et d’écoute, où l’on ralentit pour profiter du son et des conversations.
Boaboa incarne le slow living, un espace où la musique et l’atmosphère créent une expérience vraie et spontanée. Ici, la nourriture et le bar sont un support : ils facilitent l’expérience mais ne sont pas au centre du concept. l’essence du lieu repose sur la musique, l’ambiance et la connexion humaine. .
L’équipe de Boaboa a collaboré avec Hand HiFi, une boîte berlinoise spécialisée dans le custom sound system, pour créer une expérience sonore sur mesure et révéler toute l’identité du lieu.
Célébrant les soixante ans du prix Les Plus Beaux Livres tchèques, Book Space métamorphose l’excellence éditoriale tchèque en une installation spectaculaire où se rencontrent design intérieur, graphisme du livre et transmission culturelle, avec un accent marqué sur le design inclusif.
Passez le seuil et laissez‑vous guider par une sélection minutieuse dont le langage visuel n’a pas besoin d’être traduit : bandes dessinées, albums jeunesse, livres de cuisine, ouvrages sportifs et bien d’autres titres, choisis pour leur capacité à parler par la forme, la couleur et le savoir‑faire tchèque en impression et reliure.
Les ouvrages prennent place sur un mobilier signé par les créateurs et fabricants tchèques Mikolášková & Drobná, Master & Master, Plastic Guys, Masopust et Monotropa, témoignage de la finesse technique et de l’innovation matérielle qui distinguent le design tchèque.
En tissant littérature, graphisme éditorial et design de mobilier dans un même espace accueillant, Book Space renforce les liens culturels entre la Tchéquie et la Belgique et invite chaque visiteur à ralentir, écouter et laisser les livres parler d’eux‑mêmes. Commissariat : Nicole Brock ‑ Design graphique : Barbora Kramná ‑ Organisation : Czech Centre Brussels.
Brussels Interior Event chez Trademart – du 28 au 30 septembre 2025
Le rendez-vous B2B incontournable pour les professionnels de l’intérieur, de la maison et du lifestyle.
Du 28 au 30 septembre 2025, Trademart Brussels ouvre ses portes pour accueillir le Brussels Interior Event — une expérience B2B unique qui rassemble marques d’intérieur, détaillants et professionnels du design sous un même toit.
Situé à côté de l’Atomium, Trademart est le plus grand centre d’achat B2B d’Europe, rassemblant plus de 350 marques dans les secteurs du mobilier, de la décoration, de l’éclairage, des textiles, de l’art de la table et du lifestyle.
C’est un lieu où l’inspiration rencontre le business, pensé pour aider les professionnels à découvrir de nouvelles collections, rencontrer des fournisseurs et anticiper les tendances.
Pendant cet événement, vous pourrez :
Rencontrer des centaines de marques et fournisseurs du secteur,
Découvrir les nouvelles collections et les tendances de saison,
Vous inspirer dans des espaces aménagés et corners tendances,
Échanger avec d’autres professionnels et profiter d’offres exclusives.
Que vous gériez un concept store, un studio d’architecture intérieure, un magasin design ou une boutique en ligne, le Brussels Interior Event est LE rendez-vous à ne pas manquer cet automne.
Cabinet est un cabinet de curiosités où vous trouverez des objets vintage au design avant-gardiste que vous n'avez jamais vus auparavant, avec un focus sur le cristal, le métal et les plastiques.
Ces pépites sont dénichées par Rebecca Jaber et Milosz Martyniak, les deux fondateurs du concept.
Dans le cadre de Design September Brussels, cityfab 1 vous invite à une journée entière de découverte et d’inspiration le 18 septembre, de 10h à 18h.
Venez explorer l’un des principaux fablabs de Bruxelles, où le design rencontre la technologie.
Lors de cette journée portes ouvertes exclusive, les visiteurs pourront profiter de visites guidées gratuites et d'animations en direct autour de nos outils de production de pointe : imprimantes 3D, fraiseuses CNC, découpeuses laser, brodeuse numérique, sérigraphie, Drawbot géant et découpe de vinyle.
Tout au long de la journée, nos fabmanagers seront présents pour vous faire découvrir le potentiel de chaque machine et répondre à vos questions.
Que vous soyez designer, artiste, maker ou simplement curieux, cityfab 1 est l’endroit idéal pour explorer les multiples possibilités de la fabrication numérique.
COLLECTED En tant qu’architectes d’intérieurs, nous avons souhaité présenter notre sélection et nos coups de cœur au travers d’un un showroom / lifestyle shop « Collected » situé Place Brugmann 1 à Ixelles, réunissant une sélection de design , mobiliers, luminaires, objets décoratifs et objets d’art. Un accompagnement en aménagement d’intérieur y est également proposé,
On y retrouve des marques tels que Mohebban Milano pour les tapis, Bd barcelona , La Chance , Magis pour le mobilier, Bomma Lighting pour les luminaires, Serax, Ichendorf , Roros Tweed pour la décoration et l’art de la table Des designers établis ou émergeants tels que Moto Studio avec Stack Furniture, Maria Scarpulla , Lucas Zito, Lila Farget, Dirk Meylaerts, Sara Moorhouse ,
Dans le cadre de Design september , nous présentons les collectionscde luminaires en verre soufflé de Bomma Lighting en dialogue car les sculpture en verre de Lila Farget. www.collect-ed.com instagram : collected_brussels
La deuxième édition de l’exposition Curated, Functional Art se tiendra au Mix Brussels, sous la direction artistique de Lionel Jadot.
Cet événement unique réunira 44 designers talentueux et transformera l’emblématique bâtiment de l’ancienne Royale Belge en un véritable lieu d’effervescence créative.
Designers, artistes, collectionneurs et architectes y présenteront leurs œuvres lors d’un week-end de résidence ponctué de conférences, musique, de gastronomie et de DJ sets.
L’événement se déroule sur trois jours, est ouvert à tous et l’entrée est gratuite mais un ticket reste obligatoire.
d+ Meubles, luminaires et objets du XXème siècle avec un accent sur les designers italiens tels que Gio Ponti, Ettore Sottsass, Joe Colombo, Gino Sarfatti, Ico Parisi, Castiglioni, ainsi que sur les designers européens et américains.
Design for Resilience est un atelier de recherche textile belge qui explore les liens entre design, durabilité et savoir-faire local.
À Bruxelles et avec nos partenaires belges, nous concevons et tricotons des pièces épurées et responsables : linge de maison, accessoires et objets textiles sans plastique, pensés pour sublimer l’intérieur contemporain tout en respectant la planète.
Nous défendons une vision à long terme : reconstruire en Belgique une filière textile éthique, biologique et durable, ancrée dans l’innovation locale et le design circulaire.
Ce que nous fabriquons :
→ Objets de décoration d’intérieur : coussins et plaids en lin européen et laine belge, tricotés à Bruxelles à partir de matières locales, éthiques et respectueuses du bien-être animal.
→ Linge de bain écoresponsable : essuies en lin en lin (haute performance, ultra légers ou moelleux), lingettes, gants de toilette exfoliant en chanvre, pochettes de rangement.
→ Accessoires pratiques et durables : lavettes, éponges en chanvre, sacs et pochette en lin et chanvre.
→ Accessoires textiles : écharpes en laine, lin et soie upcyclée, tricotées à la main, dans une démarche zéro déchet.
Coopérative bruxelloise depuis 2022, Design With Sense replace l'humain et la matière au coeur de l'aménagement intérieur.
Desk d’accueil, bureaux, cuisine, habitat, commerce : dans une démarche d’économie circulaire et de co-design, l'entreprise conçoit neuf et beau à partir d’une majorité de matériaux de réemploi et des besoins des utilisateurs. Chez Design With Sense, on travaille en transversalité et dans une optique de conception inversée. « On part de la matière et on intègre très rapidement le futur utilisateur au coeur de la réflexion, dans une approche de design thinking qui va faire émerger les besoins réels de celles et ceux qui vont occuper le lieu.
On privilégie des allées et venues entre l’atelier de production, la menuiserie, les architectes et les clients afin de challenger au maximum les projets et d’impliquer directement toutes les parties prenantes dans la prise de décision. »
Le studio KA PAI a ouvert un nouveau collectif créatif à Schaerbeek.
Nous sommes un petit collectif d'artistes dont le travail s'étend de la peinture à la poésie, en passant par le textile, les objets en papier mâché, la scénographie, les expériences événementielles et les installations florales.
Le studio est dirigé par des mères-artistes qui célèbrent les couleurs audacieuses, les motifs audacieux, la nature et le design recyclé.
« Design et Désir – Au fond du terrier » explore les relations complexes entre créativité et marchandisation, dans un monde de plus en plus façonné par la culture algorithmique, les économies affectives, et le pouvoir d’attraction des cultures virales.
Où en sommes-nous aujourd’hui dans cette boucle de rétroaction entre design et désir ?
L’exposition réunit une sélection d’objets et de médias réalisés par dix artistes et designers belges contemporains, dont le travail interroge ou détourne les liens entre design et désir, création et consommation — des systèmes qui les soutiennent autant qu’ils peuvent les déformer.
Elle invite le public à réfléchir à son rôle de consommateur·rice et de créateur·rice, à la fois acteur·rice et spectateur·rice d’un monde dominé par des cycles sans fin de désir et de production. Sommes-nous tombé·es au fond de ce terrier ?
Encré. est une marque de vêtements fondée en France en 2017.
Après l’ouverture de deux petites boutiques en France, nous avons choisi Bruxelles pour y implanter notre flagship grandeur nature : un espace unique et modulable réunissant l’ensemble des projets de la marque — vêtements, café, musique et tatouage — sous un même toit.
Dans le cadre de Brussels Design September, Cityfab 3 vous invite à un après-midi dédié à l’exploration du rôle que peuvent jouer les espaces de production urbaine dans la transition vers un avenir plus durable et centré sur la réparation.
L’évènement débutera par une conférence sur la réparabilité, avec un focus sur les synergies possibles entre le mouvement des Repair Cafés et la communauté des makers.
Nous ouvrirons également la discussion à la place que peuvent occuper les grandes marques dans le développement de réseaux de réparation collaboratifs.
Une démonstration en direct de notre découpeuse jet d’eau suivra, pour découvrir le potentiel de la fabrication numérique de haute précision.
La journée se clôturera par un BBQ et un moment de networking, dans une ambiance conviviale, pour rencontrer makers, designers et autres acteurs de l’innovation urbaine.
Évènement gratuit, inscription obligatoire via le FORMULAIRE: https://www.facebook.com/Cityfab3, https://www.instagram.com/cityfab3/
De l’invention d’un urinoir public pour femmes à un système de rangement en aluminium tout en discrétion.
Future Generation – The MAD Graduation Show met en lumière les lauréat·e·s du MAD Graduation Prize 2025, à travers une sélection de projets de fin d’études issus de sept grandes institutions bruxelloises : l'Académie Royale des Beaux-Arts de Bruxelles, le College of Art and Design, les Ateliers Saint-Luc, l'École supérieure des arts Saint-Luc, la Haute École Francisco Ferrer, La Cambre et la LUCA School of Arts.
Design textile, aménagement intérieur, mode ou design industriel : 14 jeunes diplômé·e·s exposent des projets marquants, entre créativité brute, sens du détail et engagement sociétal.
Située au cœur de Bruxelles, la Galerie Bortier est un lieu unique où la passion pour les livres rares rencontre l’excellence gastronomique.
Côté gourmand, septs comptoirs proposent des mets haut de gamme, entre l'Italie et l'Inde avec des bières exclusivement locales, des vins sélectionnés par un caviste passionné, ainsi que des cafés bio accompagnés de pâtisseries maison au charme de grand-mère.
Alliant art, saveurs et convivialité, la Galerie Bortier invite à une expérience où chaque visite célèbre la richesse de la culture et des plaisirs authentiques.
Présentation des projets de fin d'études - département design d'intérieur et design de produits de l'école d'arts LUCA, campus de Gand, Genk et Bruxelles.
Guillaume Slizewicz est un designer et artiste numérique dont le travail se situe à la croisée de la technologie, de l'environnement et des questions sociétales.
À travers sa pratique, il s'intéresse à la dynamique évolutive entre innovation et durabilité, utilisant la technologie de manière poétique, évocatrice et critique.
Son approche établit des liens entre les pratiques artisanales anciennes et les outils numériques contemporains.
Ses œuvres mêlent souvent des matériaux physiques, tels que le métal, le bois et l'argile, à des processus numériques comme les algorithmes, l'intelligence artificielle et l'apprentissage automatique. Elles relient le passé au futur, associant l'artisanat aux processus informatiques.
Les mugs HOTHOTHOT expérimentent des formes innovantes qui améliorent la fonctionnalité.
La version café présente des formes en nageoires qui réduisent le contact thermique.
La nouvelle version pour le thé est la première tasse en céramique double paroi non artisanale. Un hommage à l’art millénaire de la céramique, combiné à de nouvelles techniques d’impression 3D pour créer une forme qui permet de tenir confortablement une tasse chaude de thé ou de café. Les tasses sont empilables et disponibles en plusieurs tailles. HOTHOTHOT Café Espresso : 80 ml, Cappuccino : 150 ml, Flat White : 200 ml, Latte : 300 ml, HOTHOTHOT Thé Petite : 130 ml, Grande : 230 ml.
Iconik Gallery est spécialisée dans le mobilier design du XXe siècle, l'art abstrait et les bijoux modernistes.
Avec une prédominance de pièces d'après-guerre, vous y trouverez un accent particulier sur le design scandinave, américain et hollandais, anonyme ou signé.
Laurent et Magali ont voulu créer un lieu de partage de connaissances, d'idées et d'histoires sur le design du XXe siècle.
Vous découvrirez une sélection subtile de leurs pièces emblématiques préférées, répondant à leur vision esthétique.
IMAGINAIR Art/space & gallery à Bruxelles (Ixelles), qui se concentre sur le collectible design, la photographie et l'art, a été fondée par la photographe Katrien Vanderbiest et le designer Geoffrey Lambert.
La galerie collabore avec un collectif de designers et une sélection d'artistes et de photographes variés.
L'approche artist-led d'IMAGINAIR donne lieu à des SHOWS où les œuvres de différents artistes contemporains sont exposées et se rencontrent dans une scénographie unique.
IMAGINAIR Art/space & gallery à Bruxelles (Ixelles), qui se concentre sur le collectible design, la photographie et l'art, a été fondée par la photographe Katrien Vanderbiest et le designer Geoffrey Lambert.
La galerie collabore avec un collectif de designers et une sélection d'artistes et de photographes variés.
L'approche artist-led d'IMAGINAIR donne lieu à des SHOWS où les œuvres de différents artistes contemporains sont exposées et se rencontrent dans une scénographie unique.
À l'invitation de Brussels Design September et The Dominican, IMAGINAIR s'inspire du cadre historique de cet hôtel design et y présente une sélection d'œuvres à la frontière entre l'art et le designqui seront exposées dans les espaces publics.
Une scénographie à l'image de l'opéra voisin : à la fois classique et contemporaine, baroque et épurée. Par IMAGINAIR avec des œuvres originales de Geoffrey Lambert, aux côtés de celles de Monica Piloni, ECHOES, Onas Uytdewilligen, Oskar Deroover, Ruben Boeren et d'autres.
Comment pouvons-nous créer ensemble des environnements d'apprentissage dans lesquels les jeunes neurodivergents peuvent vraiment s'épanouir ?
Au cours de cette journée communautaire animée, nous montrerons comment le design et la créativité contribuent à l'inclusion, au bien-être et au développement des talents, dans les écoles, les contextes éducatifs et le travail avec les jeunes.
Nous invitons les jeunes, les parents, les designers, les enseignants, les professionnels de l'éducation, les organisations de jeunesse et les décideurs politiques à participer activement selon le principe « Learn–Do–Share » (Apprendre–Faire–Partager) d'Inclusively
Wired, un projet européen réunissant des partenaires de Belgique, des Pays-Bas et du Portugal.
APPRENDRE – Discours inspirants et micro ouvert
Plongez-vous dans la vision et la pratique de trois voix influentes à la croisée du design, de l'éducation et du développement des talents :
Arnoud Grootenboer
Responsable créatif au sein de la police néerlandaise. Il utilise le design thinking pour l'innovation sociale et le changement systémique, avec une forte pertinence pour l'éducation et la politique de la jeunesse.
Luk Dewulf
Chuchoteur de talents et pionnier de l'éducation appréciative. Sa méthodologie axée sur l'apprentissage et l'accompagnement des talents aide les jeunes à se développer à partir de leurs points forts.
Lana Jelenjev
Éducatrice, architecte communautaire et fondatrice de la Neurodiversity Education Academy. Elle développe des outils et des structures pour des environnements d'apprentissage inclusifs à travers le monde.
Open Mic
Entre les conférences, les participants auront l'occasion de faire de brèves interventions. Vous souhaitez partager quelque chose sur la neurodiversité, l'éducation ou la créativité ? La scène est à vous !
DO – 6 ateliers interactifs
Six sessions pratiques au cours desquelles des jeunes, des enseignants, des designers et des accompagnateurs collaboreront pour trouver des solutions créatives :
Le talent en action – avec Luk Dewulf
Découvrez comment les jeunes peuvent s'épanouir dans l'éducation et l'accompagnement grâce à leurs talents. Luk partage des outils pratiques et des exemples inspirants tirés de la pratique.
Conception sensorielle dans les contextes éducatifs – avec Studio Junctuur (Paulien Melis)
Studio Junctuur est un bureau de design à vocation sociale. Il utilise des méthodes de conception pour accompagner les jeunes diplômés vers des environnements d'apprentissage et de travail apaisants sur le plan sensoriel.
Cet atelier se concentre sur leur approche dans le domaine de l'éducation et des périodes de transition.
Goûter aux perspectives – avec Fermenta (Susana Antonio & Angelo Compota)
Fermenta est un collectif de design social qui travaille avec des seniors et des jeunes. Dans cet atelier, ils explorent, à l'aide d'un jeu de cartes qu'ils ont eux-mêmes développé, comment les saveurs, les histoires et les soins contribuent à des visions d'avenir inclusives.
Concevoir ensemble, goûter ensemble, se connecter ensemble.
Impact by doing – avec Thijs Mackelberg (Impact Design for Youth)
Le design comme moteur pour les jeunes qui ont un parcours difficile. Thijs montre comment les jeunes peuvent retrouver un sentiment d'appartenance et d'impact grâce à des missions créatives, dans et en dehors de la salle de classe.
Le meilleur reste à venir ! – avec Lore Cuypers (Howest)
Comment donner la parole aux jeunes dans l'espace public ? Lore vous présente l'application YET (Youth Engagement & Environment Tool).
Au cours d'une promenade interactive dans le quartier, nous découvrirons comment les jeunes perçoivent leur environnement et comment cela peut servir de levier pour une politique et une conception inclusives.
Votre atelier ici ?
Il reste encore de la place pour un atelier supplémentaire sur la neurodiversité, la créativité ou l'éducation. Intéressé ? Faites-le nous savoir !
SHARE – Panel, expo & rencontre
Nous terminerons la journée par une table ronde ouverte, au cours de laquelle les intervenants, les jeunes et les participants réfléchiront à ce que nous avons appris, créé et vécu.
Nous profiterons ensuite d'une collation, d'une boisson et d'une installation d'exposition développée au préalable avec des jeunes en collaboration avec A-puur-a (Katrien Buyle).
Pour qui ?
Cette journée s'adresse aux :
✔ Jeunes (ND & alliés)
✔ Aux parents et à la famille
✔ Aux professionnels de l'éducation
✔ Aux enseignants et aux animateurs jeunesse
✔ Aux designers et aux créatifs
✔ Aux organisations jeunesse et à la société civile
✔ Aux décideurs politiques et aux acteurs du changement
Informations pratiques
Mercredi 24 septembre 2025 – de 13h00 à 18h00
Entrée gratuite – inscription obligatoire
Langues : néerlandais et anglais (avec traduction si nécessaire)
Inscription via : [lien ou QR]
À propos d'Inclusively Wired
Inclusively Wired est un projet européen axé sur la neurodiversité, le design, les environnements de travail et l'éducation, soutenu par des partenaires belges (EQLAB), néerlandais (STUDIO JUNCTUUR) et portugais (FERMENTA).
Cette journée communautaire est rendue possible grâce au soutien de la Commission européenne, dans le cadre du programme Creative Europe.
+ Inclusively Wired – Réunion des partenaires (session fermée)
23 septembre 2025
Cette session fermée est consacrée au transfert de savoir-faire et à l’échange d’expériences. Les partenaires partageront les enseignements tirés des projets pilotes et expérimentations en cours, affineront ensemble les outils méthodologiques et aligneront leurs stratégies en matière de mesure d’impact et de mise à l’échelle.
La réunion prépare également la Journée Communautaire du 24 septembre, où le grand public sera invité à découvrir les résultats ainsi que le potentiel du design pour l’inclusion.
Inclusively Wired est un projet de coopération européenne, soutenu par Europe Créative, qui mobilise le design et la co-création afin de développer des environnements d’apprentissage et de travail inclusifs pour les jeunes, adultes et seniors neurodivergents.
Le projet traduit des pratiques éprouvées en boîtes à outils concrètes, teste de nouvelles applications dans des contextes variés, et favorise le développement des talents, le bien-être et la participation sociale.
Les partenaires
EQLAB (Belgique) – expertise en design d’impact et pratiques inclusives, avec un accent sur le développement des talents et l’éducation créative.
Fermenta (Portugal) – collectif artistique ancré dans les communautés locales, actif dans les processus participatifs et créatifs.
Studio Junctuur (Pays-Bas) – studio de design appliquant le design thinking pour relever des défis sociaux complexes à travers de nouvelles méthodologies et expérimentations.
Espace Intermédiaire est une galerie d’art contemporain, qui a pour but de valoriser le processus de production et de recherche artistique au même titre que le produit final.
Située au Sablon, haut lieu d’art, des antiquités et du design, la galerie accueille des expositions solo et collectives, dans toutes les disciplines artistiques, avec un tropisme pour les mediums et les savoir-faire traditionnelles.
Dans le cadre de Brussels Design September, nous accueillons l’artiste Isabelle Bonté-Hessed2 avec l’exposition « La Faute », dans laquelle elle investit la céramique et, à travers elle, le modelage, comme espace de lenteur, d’expérimentation et de résistance.
Inspirée du roman d’Émile Zola, « La Faute de l’abbé Mouret », ce projet est le fruit d’une résidence de longue durée à l’Atelier des Tropiques, centre de soutien de la création céramique.
Pour l’artiste, la céramique est un support d’expression critique, sensorielle et sculpturale. La main devient une interface. Le matériau, un médium de pensée. Le design de ses créations explore une poésie de l’argile par une recherche plastique et narrative.
Son œuvre fusionne l'art et la littérature, invitant les spectateurs à plonger dans un jardin de connaissances florissants. Les céramiques sont réalisées en porcelaine et en mono cuisson.
Kazar est une boutique d'intérieur pas comme les autres, en plein cœur du quartier Dansaert. Un joyeux mix de vintage, de créations artistiques et de design contemporain, choisi avec flair. Du mobilier plein de charme, des lampes qui attirent l’œil, des objets uniques, des textiles colorés et de jolies pièces pour la table… Tout pour créer un intérieur élégant, personnel et plein de caractère qui vous ressemble.
HEURES D'OUVERTURE :
Sa.: 11h30 > 18h + tous les 1er dimanches
ou sur rendez-vous
L’Héliotrope est un magasin d’ameublement et objets chinés situé dans le quartier d’Uccle centre. Depuis avril 2024, j’y propose des meubles de métier, des meubles patinés, d’anciens miroirs biseautés, du linge de maison en lin brut ou finement brodé, des objets d’art et de curiosité. Le magasin est imaginé comme un décor de vie. J’accorde une grande importance à la mise en scène.
Du 19 au 28 septembre, L’ENSAV La Cambre investit l’Espace Vanderborght pour l'exposition des projets de ses Master 2025. L'occasion de découvrir chaque univers artistique et d'échanger avec cette nouvelle promotion.
Je suis la femme du banc GO.SEE.CREATE. Les voyages, particulièrement dans le grand nord, sont ma plus grande source d’inspiration.
Chaque bijou est une ode à la nature, une inspiration de sa force. Il se compose de matières façonnées par la terre, la mer, le vent et le temps.
Chaque création est unique, une transcription de mes photographies par la recherche des teintes et des couleurs qui les composent mais aussi et surtout de l’envie de rendre l’émotion ressentie devant d’incroyables paysages. Mon banc, ma boussole …
Ils prennent vie dans mon atelier-boutique de Bruxelles mais la véritable alchimie se produit lorsque, de retour de mes périples, assise sur mon banc, mon repère, ma boussole, mon regard se perd vers l’horizon.
Les couleurs, les images, le ressenti des terres lointaines me reviennent et se bousculent. Je m’envole à nouveau vers les latitudes. Un bijou est en train de voir le jour. Je suis la femme du banc, je vous emmène en voyage ...
LE BEAU A UNE ADRESSE est une Maison d’Art, située au coeur de Bruxelles. Isabelle LECLERCQ, la Fondatrice, a créé cette Maison intimiste et chaleureuse afin d’y célébrer le BEAU dans l'art, le design, la littérature et la gastronomie ...La Maison accueille et met en lumière artistes contemporains et designers. C’est grâce à du mobilier vintage des années 1950 à 1990, chiné avec passion par Isabelle Leclercq que cette Maison de maître est unique par son style. Des rencontres littéraires, des évènements artistiques et des mises en scène culinaires sont proposés aux visiteurs. La Maison propose des balades artistiques et des visites privées, tous les jours sur RDV. Les oeuvres d'art et le mobilier vintage sont présentés à la vente. Le mantra de la Fondatrice : “Laissons-nous inspirer et émerveiller par le BEAU.”
Ouvert sur RDV (par email ou téléphone). contact@lebeauauneadresse.com +32.470.910.418
Entrez dans l’univers d’une brasserie belge réinventée, imaginée par Christophe Hardiquest.
Le Petit bon bon, petit frère pétillant du mythique Bon Bon, insuffle un vent d’audace à la table, dans une atmosphère à la fois intimiste et décontractée.
Le menu de Hardiquest marie tradition et modernité, et l’intérieur du lieu reflète cette dualité en réinterprétant les codes de la brasserie belge classique.
Pour cela, l’équipe a misé sur des matériaux naturels comme le cuivre, le marbre et le bois, enveloppant les convives dans une palette de couleurs chaleureuses et terreuses.
Un bar surmonté de marbre accueille les clients, avec un sol à motifs dans la plus pure tradition des brasseries.
Des panneaux en bois rainurés autour du bar et dans d’autres zones cachent une couche acoustique afin de maintenir une ambiance sonore agréable dans cet espace de 230 m². Le restaurant peut accueillir 60 convives.
La cuisine ouverte est habillée de panneaux en cuivre brillant, qui se patineront naturellement avec le temps.
Des miroirs muraux reflètent la lueur du cuivre et diffusent une lumière douce sur les banquettes en cuir, les lampes en albâtre translucide et les détails en laiton – créant ainsi une atmosphère de brasserie à la fois authentique et raffinée.
C’est lui l’ébéniste, le restaurateur, l’artisan du savoir-faire, le faiseur du design, le curieux du beau. C’est elle la passionnée des matières, la collectionneuse de tissus, la façonnière d’ambiances, la pourvoyeuse de couleurs, la chasseuse d’élégance.
HEURES D'OUVERTURE:
Lu. au sa.: 10h > 18h30 ou sur rendez-vous.
À l’occasion de la Brussels Design September, et pour marquer l’ouverture de l’espace de création Rue Berthelot, se tiendra la première exposition collective inaugurant l’espace Oasis.
Lightcore rassemble douze artistes, designers et technicien·nes belges et français·es dont les pratiques gravitent autour de la lumière, envisagée autant comme fonction que comme matériau conceptuel.
Ici, la lumière se donne à voir comme langage, comme flux immatériel et révélateur de matière, oscillant entre approche technologique, contemplative et esthétique.
L’exposition brouille volontairement les frontières entre l’objet fonctionnel, l’installation artistique et le dispositif expérimental.
Les œuvres convoquent une pluralité de formats et de gestes : lampes sculpturales explorant texture et diffusion, dispositifs interactifs intégrant écrans ou capteurs, assemblages hybrides où l’usage s’efface au profit de l’expérience sensorielle. Certaines pièces interrogent l’autonomie de l’objet lumineux ; d’autres abordent la lumière comme donnée informationnelle, programmable, capable de produire un récit.
Cette dynamique créative s’ancre dans un contexte précis : celui d’un réseau d’artistes issu de la scène festive et culturelle belge. L’énergie qui circule dans le montage d’événements, de fêtes ou de festivals se transpose ici à l’espace d’exposition.
La technique y devient langage, et la matière, complice. Les matériaux — qu’ils soient glanés, récupérés ou détournés — portent les traces de leur usage antérieur, mais aussi l’empreinte d’un esprit collectif et d’une économie de moyens.
Entre bricolage inventif et maîtrise technologique, Lightcore revendique une poétique de la débrouille: celle qui transforme l’outil en vecteur narratif, détourne l’objet de sa fonction et reconfigure le matériau pour générer de nouveaux récits.
C’est dans ce tissage de gestes, d’idées et de systèmes improvisés que se révèle la puissance créative de cette génération émergente.
En investissant cet espace-laboratoire temporaire, iels explorent et combinent le temps festif et celui de l’exposition, faisant de la lumière un vecteur de rencontre, de transformation et de réflexion.
Visite guidée de l’exposition Looking Through Objects: Women in Contemporary Polish Design en compagnie des commissaires, Agnieszka Jacobson-Cielecka et Gian Luca Amadei.
À propos des commissaires : Agnieszka Jacobson-Cielecka est commissaire d’exposition de design, dotée d’une formation en arts visuels. Elle porte un intérêt particulier à l’influence du contexte local sur les identités en termes de design. Elle exerce également en tant qu’éditorialiste, organisatrice d’événements et membre de jurys de concours de design. Agnieszka occupe actuellement le poste de doyenne de la Faculté de design à l’Université SWPS de Varsovie. Elle a précédemment assumé les fonctions de directrice artistique du Łódź Design Festival et de rédactrice en chef fondatrice du magazine Elle Decoration Poland.
Gian Luca Amadei est historien de l’architecture, chercheur et commissaire d’exposition. Ses domaines de recherche se situent à l’intersection de l’histoire de l’architecture, de l’urbanisme, de la sociologie et du contexte culturel. Gian Luca est un fervent défenseur de l’apprentissage tout au long de la vie et enseigne au Royal College of Art de Londres. Il est également l’auteur des ouvrages Discovering Women in Polish Design (2009) et Victorian Cemeteries and the Suburbs of London (2022).
Looking Through Objects est une proposition originale qui illustre le rôle majeur que les designers femmes jouent aujourd’hui en Pologne. Du design de produits à la pièce unique, ces créations racontent la richesse de réalisations singulières. Organisateurs : Design Museum Brussels et l’Institut polonais Bruxelles Partenaires : SWPS University à Varsovie, Royal College of Art à Londres, National Museum à Gdańsk Commissaires d’exposition : Agnieszka Jacobson-Cielecka, Gian Luca Amadei, Dario Lombardi.
Plus d'informations, inscription: info@designmuseum.brussels / 02 669 49 21
Material Reverie Une rêverie de matière, entre geste, forme et lumière.
À l’occasion de Design September, la boutique ouvre ses portes sur une installation immersive dédiée au processus joaillier.
Material Reverie explore la matière dans toute sa poésie : brute, fondue, façonnée, polie… Cette exposition célèbre la beauté des étapes cachées, de la cire sculptée à la pierre sertie, révélant les secrets d’un savoir-faire artisanal rare.
Un dialogue sensible entre l’invisible et le précieux, le geste et la forme, le silence et la lumière.
Materiatek est un outil vivant pour la communauté créative.
Situé au cœur de Molenbeek, à Bruxelles, ce projet transforme une ancienne brasserie en une plateforme ouverte et indépendante dédiée aux matériaux, au design et à la connexion humaine.
Conçu et réalisé par le studio multidisciplinaire ncbham, Materiatek est un manifeste bâti de valeurs partagées : neutralité, circularité et ouverture.
L’architecture adopte une posture discrètement affirmée : brute, épurée et généreuse.
Des tons neutres et des finitions minimalistes laissent toute la place aux véritables protagonistes : les personnes, les processus et les matériaux.
La lumière naturelle inonde l’espace à travers une disposition volontairement poreuse, favorisant le mouvement, la visibilité et les rencontres fortuites.
C’est un espace qui invite à la curiosité sans exiger l’attention.
Materiatek repose sur trois piliers interconnectés : une bibliothèque de matériaux sélectionnés, un espace de coworking et un calendrier événementiel dynamique.
Ces fonctions ne sont pas séparées, mais s’articulent de manière fluide. Les professionnels viennent travailler et restent pour l’échange. Les étudiants découvrent de nouveaux outils et reviennent en tant que contributeurs. Les voisins passent et s’intègrent au rythme du lieu.
Avec la circularité au cœur du projet, l’espace utilise un habillage en bois 100 % recyclé, des carreaux issus de Rotor, et des collaborations significatives avec des designers locaux, HIER pour les étagères, Sonian Wood pour les surfaces de travail. Chaque détail est intentionnel.
C’est un espace conçu avec soin, non seulement pour ses utilisateurs, mais pour l’écosystème qui le soutient.
En interne, Materiatek a été façonné à travers un processus profondément collaboratif au sein de ncbham. À travers les disciplines, l’équipe a co-écrit le projet, concevant non seulement sa forme mais aussi sa mission.
Aujourd’hui, Materiatek fonctionne comme une ASBL indépendante, constitue une infrastructure physique et sociale pour la découverte partagée, une plateforme neutre pour l’innovation, l’expérimentation, l’éducation et un véritable dialogue entre industrie et pratique.
Née dans un village créatif près de Tasikmalaya, sur l’île de Java (Indonésie), la lampe Mawi est le fruit d’une collaboration avec l’artisan Kowi.
L’Indonésie demeure l’un des principaux fournisseurs mondiaux de bambou — un matériau durable à croissance rapide, reconnu pour ses qualités techniques : solidité, légèreté et flexibilité.
La lampe est entièrement réalisée en bambou, mettant en valeur ses différentes caractéristiques : le bambou massif dans son état brut et le bambou tressé, plus souple.
Le tressage choisi pour l’abat-jour est appelé dadu (« dé » en bahasa Indonesia), en référence à son motif géométrique.
Sélectionné avec l’aide de Kowi, ce tressage permet à la lumière de traverser la finesse des lamelles de bambou, révélant de subtils jeux lumineux : de petites ouvertures où la lumière s’intensifie et se transforme en points scintillants.
La forme de l’abat-jour permet d’alterner entre lumière directe et indirecte, puisqu’il n’est pas totalement fermé. Plutôt qu’être fixé à la base, il est encastré, ce qui rend possible sa rotation et son adaptation au niveau d’éclairage souhaité.
Cette conception souligne la polyvalence de la lampe — tour à tour lampe de bureau, source de lumière d’ambiance ou d’éclairage direct — tout en mettant littéralement en lumière l’artisanat traditionnel indonésien.
Pour la toute première fois depuis notre installation dans notre atelier à Anderlecht, nous ouvrons les portes de notre univers de maroquinerie fine et de design.
Venez découvrir notre atelier et studio de création, nos outils, nos matériaux, ainsi que nos projets passés et en cours.
Plus qu’un atelier de cuir, Niyona est un studio pluridisciplinaire où l’esthétique minimaliste rencontre les techniques traditionnelles.
Cet atelier ouvert est l’occasion rare de plonger dans ce dialogue créatif — une fusion entre design, gastronomie, mode, architecture et scénographie, reflet de notre approche à la fois artisanale et contemporaine.
Rejoignez-nous pour une visite guidée, rencontrez notre équipe et vivez l’ambiance d’un lieu où le savoir-faire et la vision moderne se rencontrent.
Nous prendrons le temps de partager avec vous notre passion, notre processus et l’art qui se cache derrière chaque création.
Nous sommes un bureau d'architecture d'intérieur qui a développé une suite à notre collection de mobilier lancée en 2020.
Cette collection comprend des chaises, des plateaux de service, un séparateur de pièce (paravent), deux lampes, des tables d'appoint et un banc. Nous consacrerons un espace dans notre bureau pour mettre en valeur cette collection pendant le Brussels Design September.
Hugh Roche Kelly est un tourneur sur bois et fabricant de meubles qui utilise exclusivement du bois provenant du bois de Sonian à Bruxelles. Il crée des récipients sculpturaux uniques et de la vaisselle fonctionnelle.
À l'occasion du Brussels Design September, venez visiter son atelier ouvert au public et assister à des démonstrations et à une exposition de ses œuvres. Situé au 140 rue Hayveart, l'atelier se trouve au cœur du circuit de production artisanale de Bruxelles.
https://instagram.com/hughrochekelly
Nouvel espace dédié au design contemporain haut de gamme, Sisu a ouvert ses portes en juin 2024 dans un magnifique hôtel de maître du XIXᵉ siècle, situé à Woluwe-Saint-Lambert, dans le quartier Georges Henri.
Ce lieu de 180 m², réparti sur deux niveaux, met en scène une sélection pointue de mobilier et de luminaires contemporains issus de maisons d’édition européennes telles que Zanotta, MDF Italia, BD Barcelona, Catellani & Smith, oluce ou encore Foscarini.
À l’occasion de Design September 2025, Sisu souhaite présenter une exposition exclusive de l’artiste belge Michael Scheers, dont le travail s’inscrit dans la lignée de l’art cinétique.
Par ses compositions géométriques vibrantes et évolutives, Michael Scheers explore le mouvement à travers des compositions géométriques vibrantes qui intriguent, captivent et bouleversent notre perception.
Courbes, lignes, textures et couleurs dialoguent pour donner vie à des illusions d’optique aussi poétiques que dynamiques. Un aperçu de son univers est à découvrir sur son site personnel : www.michaelscheers.com.
Pour enrichir cette expérience visuelle, chaque oeuvre de l'artiste sera associée aux bougies parfumées signées Bois Eloi Fragrances, marque belge écoresponsable et artisanale.
Elégantes, durables et rechargeables, ces bougies ajouteront une dimension olfactive aux jeux visuels de Michael Scheers, tissant un dialogue subtil entre lumière, matières, couleurs et parfums.
Arthus Galerie @arthus_gallery, située sur la charmante Place du Châtelain au cœur de Bruxelles, accueillera en septembre prochain une exposition pop-up intitulée "Palm Springs". Expo: 11/9-5/10.
Pour cette occasion, nous collaborons avec la styliste Audrey Heselmans (@audreyheselmans), fondatrice du concept lifestyle Maison de la Folie (@maisondelafolie), qui créera une scénographie éclectique et immersive inspirée de l’univers ensoleillé de Palm Springs : design, mobilier vintage, bijoux, tissus, objets décoratifs et lifestyle.
Audrey, passionnée par cette destination qu'elle connaît intimement, insufflera à l’exposition son regard unique, nourri de nombreux voyages et anecdotes.
Dans cette exposition, les œuvres de l’artiste danoise Tilde Grynnerup (@tildegrynnerup) seront présentées.
Leur esthétique colorée et ludique s'intégrera parfaitement à cet univers visuel fort et singulier.
Radical Landscapes marque la première exposition solo de Mario Trimarchi à Bruxelles. Le designer et architecte lauréat du Compasso d'Oro présente une sélection de ses œuvres les plus récentes, incluant des objets uniques et des dessins sur papier. La recherche de Trimarchi se déploie à travers de délicats paysages poétiques capturés dans ses dessins, et se poursuit dans la création d'objets inattendus et parfois précaires : des assemblages sophistiqués de matériaux bruts tels que le verre, le treillis métallique, la pierre, le laiton avec des formes domestiques et familières. Ces constructions fragiles mais saisissantes nous parlent de l'équilibre inatteignable de la vie, de la chaleur et du froid, de l'instabilité et de la solidité, de la légèreté et du poids, de la transparence et de l'opacité. Dans Radical Landscapes, Trimarchi nous invite à explorer la friction poétique entre le naturel et le conçu — entre ce que nous connaissons et ce que nous apprenons encore à voir.
Monika Unger — Concept d'exposition et production
L'exposition présente des objets et dessins de six collections différentes :
BARRICADES, architectures fragiles faites de fragments structurels, assemblés en équilibre incertain.
CLOSE TO THE EDGE, roche et verre — poids et transparence — maintenus en équilibre précaire, surplombant l'abîme.
THE WALL, objets métalliques tissés — vaisseaux en croissance — s'étirant vers le haut vers le ciel.
FOREVER, MAYBE, une collection de bagues qui pourraient durer éternellement — ou s'estomper comme des galets façonnés par le vent et l'eau.
STRAWBERRY FIELDS FOREVER, paysages ruraux miniatures qui apportent la campagne dans nos espaces domestiques.
STILL LIFE, des branches de verre s'entremêlent et s'élèvent pour collecter et distribuer l'eau de pluie dans un mouvement perpétuel et délicat.
Une sélection d'objets de design, actuellement en production par Alessi, Caimi et Ichendorf est présentée à l'étage inférieur.
Mario Trimarchi est un designer et architecte qui voit le design comme un moyen d'apporter la poésie dans le monde des objets du quotidien. Ancien directeur du Master en Design à la Domus Academy, il a fait partie de l'Olivetti Design Studio avant de fonder l'agence de conseil en marque Fragile. Aujourd'hui, à travers sa propre pratique, Mario Trimarchi Design, il crée des objets et du mobilier pour des entreprises internationales de premier plan.
En 2016, il a reçu le Compasso d'Oro pour la cafetière Ossidiana conçue pour Alessi. Son travail explore souvent les frontières entre dessin et design : en 2019, il a tenu des expositions solo de ses dessins à l'Institut culturel italien de Paris et au Design Hub de Barcelone. En 2020, deux pièces de Botanica — une collection de panneaux absorbant le son pour Caimi — ont été acquises par la Collection Quirinale Contemporaneo.
En 2022, il a été invité par la Korea Craft and Design Foundation à concevoir cinq petits autels en laiton Yugi, et a reçu la Targa d'Oro de l'Unione Italiana Disegno (UID) pour sa contribution à la culture du dessin.
En 2024, le film Ten Types of Black, réalisé par Emilio Neri Tremolada, est sorti, offrant une réflexion poétique sur les dessins en noir et blanc de Trimarchi, qu'il décrit comme un moyen de "fixer à jamais la présence des choses et assurer leur survie paisible."
Depuis 2024, sa recherche à l'intersection de l'art et du design s'élargit, menant à une série d'expositions solo à Milan (Galleria Jannone et Paula Seegy Gallery), Como (Galleria Diaz 14), et Londres (Mint Gallery). Il dessine jour et nuit.
Au cœur des rues de Los Angeles, sous le soleil californien.
C’est notre lettre d’amour aux anciens burger joints. Un retour aux origines du burger, à son essence même : sans chichis, des burgers simples et de qualité.
Random Distractions (: est un projet d’exposition imaginé par Lucas et Alice, chacun·e designer et communicante. Partageant une passion commune pour un design engagé, accessible et porteur de sens, cette exposition marque notre volonté de collaborer autour d’un projet qui reflète nos aspirations mutuelles : imaginer, créer, et surtout transmettre un design qui s'aligne avec et rende compte des challenges du monde d'aujourd'hui. À travers une sélection de sept projets issus de la pratique de Lucas, Random Distractions (: explore les tensions entre réflexion critique, processus créatif et engagement collectif. Les objets et installations présentés s’axent autour de thématiques telles que la circularité, la réutilisation de matériaux, la technologie, ou encore les dynamiques sociales et politiques, dans une approche transdisciplinaire et open source. Plutôt que de sacraliser un résultat, cette exposition met en lumière les chemins de traverse : les prototypes bancals, les ratés toutefois inspirants, les idées inabouties ou réactivées, les échanges inattendus entre ami·es, artistes, ingénieur·es ou curieux·ses. Random Distractions (: se veut ainsi être un espace d’exploration vivant, interactif et évolutif, qui invite à comprendre les dessous de la création contemporaine en matière de design.
Projets exposés :
CLEAR – Circular Electronics Upcycled : Objets audio transparents fabriqués à partir de vieux composants électroniques, récupérés, démontés puis réassemblés.
CHAIR – Parametric Furniture Numerical Simulated : Ensemble de chaises uniques conçues à partir d’un même modèle paramétrique, générées par simulation numérique pour s’adapter automatiquement à des matériaux récupérés aux formes variées, sans redessiner chaque pièce.
RBAG – Open Source Textile Objects : Ensemble d’accessoires et de vêtements open source, faciles à fabriquer à partir de matériaux upcyclés, avec patrons libres et pièces détachées imprimables en 3D.
REDISTRIBUTE – Visual Representation of Wealth Scales : Redistribute est un projet visuel qui rend les inégalités économiques plus compréhensibles en traduisant des montants abstraits en formats concrets comme la distance, le temps ou le volume.
RITMO – Visual Coding Performance : Ritmo est un projet visuel et performatif qui génère des images en temps réel à partir de gestes, sons ou présences captés par capteurs, ici via une Kinect, même dans des conditions extrêmes de nuit, pluie, ou brouillard.
MODULAIR – Multiple Modular Products : Un système modulaire d’objets reliant les domaines du mobilier, de l’éclairage et de l’audio.
L'exposition associe le design contemporain à la tradition de l'artisanat verrier et montre comment il est possible de créer un nouveau langage culinaire, des verres à bière et à boire aux lampes conçues pour les environnements de restauration.
Les installations individuelles reflètent à la fois le processus créatif, les possibilités technologiques et les chevauchements culturels associés au verre appliqué.
L'exposition est rythmée par des histoires qui vont des techniques culinaires transformées en objets à un hommage aux verriers de la ville morave de Květná.
L'exposition Savour invite les visiteurs à « ne pas se contenter de regarder » le design, mais à l'apprécier réellement - dans les détails, dans les matériaux, dans le contexte.
Et surtout, à rapprocher le rituel quotidien de la nourriture de nous grâce au verre en tant qu'espace de contact humain, d'artisanat et de culture.
Inner Design est une société belge de création d’espaces et de mobiliers contemporains et novateurs qui participent à l’amélioration du bien-être des occupants-utilisateurs.
La société a été créée en février 2024 après 2 ans de gestation et de développement du premier produit. Elle est le résultat d’une réflexion profonde sur notre monde actuel et notre développement en tant qu’humanité.
Le premier produit, Shanti ®, est une chaise de relaxation spécialement conçue pour s’offrir un moment suspendu hors du temps, pour rêver, lire, écouter de la musique, méditer ou allaiter aussi bien dans des espaces privés que publics tels que les bureaux, hôtels, lounge d’aéroports, universités, bibliothèques ou cliniques privées et centres de loisir.
Le produit est fabriqué en Belgique avec un savoir-faire exceptionnel à partir de matériaux nobles, naturels, durables et une attention particulière aux détails, Shanti® associe des textiles personnalisables à un design unique afin de s'intégrer parfaitement dans chaque projet.
Plus d'informations: https://www.facebook.com/profile.php?id=61555789572957
https://www.instagram.com/innerdesign_studio/
Sonian est un atelier hautement spécialisé qui travaille exclusivement avec du bois dur unique provenant de la forêt de Sonian, un site classé au patrimoine mondial de l'UNESCO et connu pour ses hêtres gigantesques exceptionnels.
Nous créons des objets recherchés en collaboration avec des designers de premier plan et fournissons des installations de production internes pour des projets sur mesure.
Avec ses dernières tables d'appoint Spherene, le designer belge Peter Donders poursuit son œuvre dans laquelle artisanat, technologie et nature vont de pair aller.
Pour cette conception, il a commencé à travailler avec un plug-in de la société suisse algorithme informatique Spherene, qui permet la création de ce qu'on appelle des métamatériaux.
Par exemple, le programme innovant développe des structures en acier qui avoir le poids de l'aluminium avec moins de matière.
Ceci est conforme à l’objectif de durabilité et efficacité dans le monde du design. En plus d'une version standard en résine, Peter Donders présente une deuxième version en matériau d'origine sable.
Cela crée un objet d'intérieur haut de gamme dans lequel le présent et passé, mais aussi nature et innovation fusionnent.
L'utilisation du sable et de la Le langage de conception organique s'adapte parfaitement au désir renouvelé d'un environnement de vie naturel, tactile et relaxant. Elle se sent à la fois futuriste et familier et fait appel à l'imagination.
Techniquement, Peter Donders transforme l'usage séculaire d'un moule en sable négatif pour le moulage en une forme positive imprimée en 3D dans le sable.
De Dans sa conception, il introduit l'utilisation d'imprimantes à sable, qui sont normalement utilisées dans le l'industrie aérospatiale ou automobile haut de gamme, dans le monde du design.
Ainsi écrit son travail s'inscrit parfaitement dans la tendance technocraft : alliant un style traditionnel artisanat avec technologie innovante.
Swookies a fait appel au Rond Carré Studio pour concevoir un lieu en cohérence avec le rebranding de la marque : direct, graphique, structuré. Inspiré par la cuisson du produit, l’espace évoque l’intérieur d’un four à cookies : murs peints en dégradé de jaune, étagères industrielles en metal stud et chemin de câble apparents.
L’ensemble est conçu sur mesure, pensé pour la mise en scène du produit dans un décor lumineux et brut.
Dès l’entrée, l’atelier de confection, situé au fond de la boutique, est clairement visible. Ce parti pris affirme la transparence du lieu et valorise le savoir-faire artisanal derrière chaque cookie.
Dans un souci d’économie, le sol terrazzo d’origine a été conservé, tout comme le comptoir existant, simplement habillé de profilés métalliques. Un module jaune distinct y a été ajouté pour accueillir la machine à café et affirmer la présence de la marque dès la rue.
Les matériaux habituellement réservés aux chantiers sont ici détournés comme éléments de design à part entière. Les cookies sont présentés dans des displays sur mesure, relevés en biais pour mieux révéler leurs textures.
Derrière le comptoir, une grande table centrale accueille des workshops dans un esprit ouvert et accessible.
Au-dessus, des suspensions dessinées sur mesure – également présentes au-dessus du comptoir – viennent rythmer l’espace et affirmer une signature graphique discrète mais précise.
Le travail de branding se prolonge dans les packagings : des boîtes cubiques en kraft imprimé blanc, cerclées de sleaves colorés, qui dialoguent avec les teintes et les lignes du lieu.
Un projet global, où architecture, graphisme et contraintes budgétaires s’équilibrent avec exigence et justesse.
Une collaboration entre Ma. Art Space et Zarif Design Ma. Art Space est heureux de présenter une exposition exceptionnelle en collaboration avec Zarif Design, maison de couture fondée en 2005 à Kaboul par Zolaykha Sherzad.
À travers cette exposition, nous mettons en lumière pour la première fois à Bruxelles un patrimoine textile millénaire, menacé mais toujours vibrant, que Zarif s’engage à préserver et à réinventer.
Zarif — qui signifie « précieux » en dari — œuvre à faire revivre les savoir-faire traditionnels afghans : tissage de soie et de coton, broderies ancestrales, confection des célèbres chapans (manteaux traditionnels).
Chaque pièce incarne une mémoire, une histoire, un lien profond avec les cultures de la Route de la Soie. Zarif Design cherche à sauvegarder ces techniques ancestrales en travaillant sur l’ensemble de la chaîne de production : des matières premières (soie, coton, laine) à la confection de pièces uniques, dans le respect des savoir-faire locaux et de leur dimension spirituelle.
Mais cette démarche est aussi profondément humaine et engagée. Zarif Design est un espace de résistance et de création pour les femmes afghanes.
Dans un contexte marqué par l’instabilité politique et les restrictions de liberté, ces artisanes trouvent, à travers leur travail, un moyen de subsistance, de transmission et de dignité. En plus de la persistance du lien social, elles y apprennent, y créent, et y affirment leur voix.
En prenant l’art textile comme moyen d’expression, Zarif permet d’établir un pont entre le monde et elles. Ces oeuvres textiles ont fait l’objet de grandes installations, dont au MuCEM (Marseille, 2019), au Musée national des arts asiatiques - Guimet (Paris, 2022), à la Chapelle Méjan (Arles, 2023) ou encore à Homo Faber (Venise, 2024).
L’exposition de Bruxelles propose une sélection de textiles uniques, entre tradition et modernité, tous réalisés à la main, et disponibles à la vente.
Chaque pièce achetée soutient la survie d’un artisanat local et précieux, mais aussi l’émancipation économique et sociale des femmes qui en détiennent les savoirs.
En 2020, les fondateurs du collectif gantois Stand van Zaken, Stefanie Everaert et Theo De Meyer, ont commencé à habiter une serre abandonnée en Flandre.
Cette expérience a été l'occasion de découvrir de nouvelles manières d'occuper l'espace en jouant avec les limites de nos habitudes domestiques.
La recherche qu'ils proposent de mener au cours d'une résidence de quatre mois à Bruxelles est étroitement liée à ce qu'ils ont vécu dans la serre et au fait que celle-ci touche bientôt à sa fin.
Qu'est-ce que la vie dans un vaste espace réagissant au climat peut nous apprendre sur la vie migratoire ? Qu'est-ce que cela signifie d'habiter des espaces de manière saisonnière ? Et quels outils créons-nous pour faciliter ce mode de vie particulier ?
Autant de questions qui feront partie de l'expérimentation empirique et de la recherche intuitive que Stefanie et Theo mettront en place au cours des prochains mois pour tenter de renforcer le sentiment de liberté.
Après l'annonce de la vente prochaine de la serre, la résidence offrira un temps de réflexion sur ce qui s'y est passé et sur les enseignements à en tirer, tandis que l'espace d'exposition sera le lieu d'hommage à cette expérience.
L'exposition qui ouvrira le jeudi 25 septembre est l'aboutissement de leur résidence.
The Unusual est un nouveau concept de café/bar qui a ouvert ses portes en janvier, en plein cœur de Bruxelles.
Le lieu se vit en deux temps : café convivial en journée, il devient le soir un espace accueillant des activités touristiques belges (Pub Crawl, ateliers) ainsi que des événements privés (concerts, comedy club).
L’envie d’intégrer des fragments du patrimoine bruxellois a guidé toute l’identité du projet.
Le concept d’aménagement repose sur la collecte de portes, vitraux et poignées issus de maisons et bureaux démantelés — notamment du bâtiment Oxy, situé à seulement 100 m.
Ces éléments viennent s’insérer dans une structure réalisée à partir d’une ancienne charpente reconditionnée.
De là naît une identité singulière : d’un côté, une palette de couleurs vintage ; de l’autre, une déclinaison de menuiseries intérieures qui ont inspiré l’univers graphique du lieu.
Au-delà de cette structure fixe, l’espace se veut polyvalent et modulable. Le mobilier chiné — jusqu’aux tables — est empilable, permettant de transformer le café de jour en piste de danse la nuit.
Le sourcing des matériaux auprès de Rotor DC et d’autres acteurs du réseau circulaire bruxellois a permis d’atteindre 95 % de réemploi.
La fabrication de la structure en bois a été réalisée en collaboration avec Bout 2 Bois, une Entreprise de Travail Adaptée qui valorise les matériaux circulaires et l’insertion professionnelle.
Ce café cozy et « good vibes » se distingue par un aménagement durable et une identité forte, façonnée presque entièrement à partir de matériaux de réemploi.
Inspirée par l'architecture, cette lampe à la fois chaotique et harmonieuse est composée d'une structure de bandes de céramique empilées les unes sur les autres.
Pour le traitement de surface, je me suis inspiré des techniques architecturales des années 1960.
Un voyage sensoriel à travers matière et forme Chaque détail a son histoire.
Le grain qui rythme la surface. Les lignes naturelles qui semblent danser. Ici, le design se regarde… et se ressent.
À l’occasion de Brussels Design September, découvrez le mouvement au cœur de la matière : des lignes douces et fluides qui font vibrer les textures de notre nouveau Master Oak et d’autres motifs inspirés de la nature.
Un jeu de lumière, de formes et de textures qui se révèle peu à peu, au fil du regard. Nos 12 nouvelles créations se dévoilent : 6 finitions Master Oak – la profondeur et la chaleur du bois authentique, dans une alternative durable au placage, sans compromis.
6 finitions Supermat – un toucher velouté qui s’accorde parfaitement à Master Oak, pour des intérieurs uniques. Venez vivre l’expérience. Voyez. Touchez. Ressentez.
Vestiges est une collection de trois pièces de design à collectionner : le pendentif pression, la tour douce et la table Vestiges.
Les trois pièces sont fabriquées à l’aide de plaques d’aluminium découpées au laser qui sont dessinées par des accidents ; images d’objets cassés.
La répétition du dessin grâce à la découpe laser apporte un paradoxe esthétique.
Les pièces sont également une exploration de l’artisanat et de la fabrication numérique avec l’ajout de latex naturel, de verre texturé ou d’ampoule imprimée en résine.
Toutes les pièces sont produites à Bruxelles et sont fabriquées sur commande, et sont fraîchement publiées sur des galeries en ligne telles que Adorno ou le magazine The thing.
Images: Dogtooth, Simon Breynaert, Simon Hampikian
Le travail du collectif de design Vormen et celui de la photographe Liza François partagent une sensibilité silencieuse à la matière, à l’émotion et à l’espace.
Tandis que Vormen crée des objets poétiques nés de l’intuition et du matériau lui-même, François capture, à travers son objectif, les couches de l’existence humaine dans des images douces, honnêtes et sensibles.
Dans cette présentation, une rencontre se crée — un dialogue entre image et forme. Des images et des objets qui se soutiennent, se reflètent, s’enlacent et se déposent l’un contre l’autre. Image et forme se portent mutuellement.
Leur esthétique commune, faite de simplicité et de vulnérabilité, invite à la lenteur et à la contemplation : un regard attentif porté sur le quotidien, où les frontières entre l’objet et l’image s’estompent.
Home Design / Arts Décoratifs XX / 50’s-60’s-70’s
Meubles scandinaves ,lampes italiennes ,céramiques anciennes et contemporaines ,bronzes de qualité ,meubles d'architecte, sculptures en marbre, peintures et lithographies.... un large choix situé en plein cœur des Marolles !
Horaires d'ouvertures : tous les jours de 10h à 18h
Zangra, fabricant belge de luminaires et d’objets de décoration d’intérieur, ouvre sa première boutique en plein cœur de Bruxelles.
Après des années de succès dans la vente en ligne, Zangra ouvre un point de vente physique pour faire profiter ses clients d’une expérience d’achat immersive et leur faire découvrir son univers.
Le magasin Zangra est situé derrière le Théâtre Royal Flamand (KVS) et en face de la célèbre bétonnière gothique de l’artiste Wim Delvoye. La boutique est entièrement aménagée dans le style épuré et minimaliste propre à Zangra et accueille un bureau afin que les clients puissent découvrir les coulisses de la marque.
La boutique propose une large sélection de produits allant des luminaires Art Déco aux accessoires de décoration rétro. Zangra accorde une attention particulière à la présentation de sa gamme de produits afin d’inspirer les clients pour qu’ils puissent créer une ambiance pop et rétro chez eux.
La fondatrice Eve Van Dyck précise : « Notre mission est d’ins- pirer nos clients, de stimuler leur créativité et de leur montrer les possibilités infinies qu’offrent les produits Zangra. » La nouvelle boutique Zangra est idéalement située à l’intérieur du pentagone de Bruxelles. La Place Sainte-Catherine, le quartier des restaurants et la rue Antoine Dansaert sont situés à un jet de pierre. La boutique se situe également non loin du nouveau quartier en pleine expansion autour du musée Kanal et de Tour&Taxis.
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