À la croisée du design de la sculpture et de la peinture, Stéphane Tambeur explore la manière dont la forme, la lumière et la couleur peuvent moduler notre perception de l’espace.
À travers des objets muraux lumineux, des structures suspendues ou des volumes colorés, chaque œuvre propose une expérience visuelle qui oscille entre rigueur géométrique et poésie sensorielle.
Les LightScapes sont des sculptures lumineuses murales où la lumière devient matière et profondeur.
Ces formes creusées agissent comme des alcôves silencieuses, organisant l’espace mural autour d’une lumière douce et indirecte.
Entre mobilier minimal et architecture miniature, elles invitent à la contemplation, dans un équilibre subtil entre fonction et abstraction.
Les mobiles, aux lignes flottantes, presque musicales, dessinent dans l’air une architecture fragile et mouvante. Leurs équilibres silencieux créent une chorégraphie lente, en suspension.
Ce sont des œuvres ouvertes, aériennes, qui dialoguent autant avec le vide qu’avec l’environnement qui les accueille. Les peintures murales en volume, aux couleurs franches et saturées, relèvent à la fois de la peinture, du relief et du design.
Chaque pièce articule des plans colorés à des courbes ou tensions sculptées. Ce sont des modules à la frontière de l’objet et de l’image, qui jouent avec les ombres portées et l’illusion optique, tout en affirmant leur matérialité dans l’espace.
À travers l’installation All Means, All Materials, les studios BlackWool et MINIMÈTRE s’associent pour explorer la fabrication contemporaine comme terrain d’hybridation entre gestes artisanaux et outils numériques.
Le cœur du projet: un canapé, conçu comme une pièce manifeste, où se rencontrent des matériaux issus de pratiques radicalement différentes.
La laine, cardée puis filée à la main, est enrichie de multimix, un mélange de fibres récupérées dans les déchets de production textile.
Elle côtoie des éléments en céramique imprimée en 3D — une forme de production artisanale pilotée par la technique additive — et des profilés en aluminium extrudé, issus d’un procédé industriel standardisé.
Chaque matériau incarne un mode de fabrication, un rythme, une relation au geste. Ensemble, ils forment un objet fonctionnel et narratif, révélateur des tensions et des complémentarités entre tradition, innovation et production.
Autour de cette pièce centrale, l’exposition dévoile les coulisses du projet : essais, outils, échantillons, récits de fabrication.
L’ensemble compose une méthode de travail sensible et ouverte, où la matière dicte autant qu’elle dialogue.
All Means, All Materials est une invitation à reconsidérer les manières de faire, de produire, de transmettre.
Amoroma, la nouvelle marque belge de maroquinerie, conçue en Belgique par architecte d’intérieur Géraldine Vincent.
Les modèles de sacs, ceintures et chaussures sont fabriquées en Italie, dans deux ateliers à florence et un troisième sur la côte adriatique. Audace. Élégance. Créativité. Ce concept- store
Amoroma, vous invite à découvrir ses créations et à vous plonger dans son univers singulier.
Boutique Amoroma ouvre le 1er septembre et est située n° 533 Chaussée de Waterloo, à deux pas de l'avenue Louis Lepoutre . Soirée d'inauguration le 18 septembre de 17h à 22h.
Céramiques & mises en scènes imaginaires: quand la céramique s’invite à table et que les tables deviennent des oeuvres!
Trois jours pour découvrir un monde où la céramique dialogue avec l’imaginaire, où chaque table devient un tableau vivant.
Artisans et céramistes vous invitent à explorer des univers sensibles, des objets façonnés à la main, des compositions qui réenchantent l’art de recevoir.
Entre matières brutes, lignes organiques et inspirations contemporaines et vintage, Arty Tables célèbre le beau, le fait-main et la magie des détails.
Chez Atelier HD, nous façonnons des objets en céramique qui habitent l’espace autrement : ni tout à fait œuvres, ni tout à fait objets fonctionnels.
Notre terrain de jeu, c’est la frontière entre l’art et le design – un espace mouvant où la main, la matière et la forme dialoguent librement.
Avec ARCUUM, nous avons eu envie d’explorer cette ligne de crête. Le mot vient du latin arcus : l’arche, le pont, le passage.
Pour nous, il symbolise ce lien entre deux mondes – l’émotion d’une pièce unique et la présence d’un objet pensé pour l’habitat.
ARCUUM, c’est une invitation à traverser, à regarder autrement ce que peut être un objet d’intérieur quand il est né d’un geste artistique.
Nous travaillons à quatre mains dans un rythme lent et physique. La terre est notre matière première, et elle guide beaucoup.
Rien n’est automatisé, chaque pièce passe par un long processus de façonnage, d’assemblage, de cuisson, d’émail. Le temps fait partie de l’objet. Et c’est ce qui rend chaque création vivante et singulière.
À travers ARCUUM, nous voulons montrer que le design peut être une œuvre, et qu’un geste artisanal peut transformer un espace. Nos pièces sont faites pour durer, pour interpeller, pour créer des dialogues visuels, sensibles, parfois même architecturaux.
Pendant le week-end du 20 au 21 octobre, nous exposerons nos créations au 29th October, une magnifique boutique située au cœur du quartier du Sablon, l'un des quartiers les plus emblématiques et les plus artistiques de Bruxelles.
Nous sommes reconnaissants au 29th October de nous avoir ouvert ses portes et d'offrir un espace où la céramique peut rencontrer la mode.
Entourées d'objets intemporels et de pièces soigneusement sélectionnées, nos créations trouveront leur place dans un cadre qui reflète les mêmes valeurs qui nous sont chères : authenticité, souci du détail et émotion.
Cette collaboration s'inscrit dans le cadre de notre projet ARCUUM, un pont entre l'art et le design, et nous sommes ravis de la partager dans un contexte aussi significatif et inspirant.
Nous sommes un groupe nouvellement formé de studios de design indépendants récemment réunis par notre occupation commune de l'ancienne caserne de police d'Ixelles, un espace qui a été réactivé en tant que centre temporaire pour des projets sociaux et environnementaux.
Chacun d'entre nous apporte un langage de conception et une approche matérielle distincts, mais nous sommes liés par un intérêt commun pour la création d'objets significatifs et responsables qui répondent aux besoins d'aujourd'hui.
Dans le cadre du Brussels Design September, nous organisons une exposition dans le grand hall de la caserne, où nous présentons une sélection de nos propres travaux ainsi que ceux de designers invités issus de notre réseau élargi.
L'exposition célèbre les nouvelles voix du design, ancrées dans l'expérimentation des matériaux, les processus durables et la réflexion critique sur la vie contemporaine.
L'exposition met particulièrement l'accent sur un événement de finissage. Notre objectif est de créer une expérience spatiale engageante qui reflète la diversité de nos pratiques tout en favorisant le dialogue autour du design en tant qu'outil ayant un impact environnemental et social positif.
L'exposition mettra en avant non seulement les pièces finies, mais aussi les processus, les prototypes et les collaborations interdisciplinaires qui reflètent la nature dynamique et évolutive de notre collectif.
En plus de l'exposition, nous participons au week-end OpenDoors. Nous offrons aux visiteurs un aperçu des coulisses de nos pratiques individuelles, en guise d'avant-goût de l'exposition qui ouvrira ses portes la semaine suivante.
Le site propose plusieurs visites d'ateliers regroupées dans un lieu facilement accessible, favorisant les échanges informels et renforçant les liens entre les designers et la communauté au sens large.
L'exposition et OpenDoors sont une excellente occasion de mettre en lumière notre présence émergente en tant que groupe et de contribuer à la conversation plus large facilitée par Brussels Design September : un moment pour ouvrir nos portes, partager notre travail et établir des liens avec le public et la communauté du design dans son ensemble.
Ateliers Ursquare Alloya Atelier – Béatrice Vancaillie Ateliers Pollen – Léonie Alexis et Alexandre Nadaud Atelier Popi – Alix Nicolas DriesDries – Dries Hamels Aiko – Thomas Raa Frau Steiner – Meriem Steiner et Marie Troadec Studio Minimetre – Bérénice de Salvatore, Bastien Chevrier Amandine David Ohme – Gwenaël Sauvage Alizée Rubino
La designer Roxane Lahidji, fondatrice de Marbled Salts, crée des meubles, lampes et objets dans un matériau innovant qu’elle a développé à partir de sel marin. La galerie Augusta, spécialisée en design durable, présente son travail au cœur du Sablon du 19 septembre au 30 novembre 2025. L'exposition met notamment l'accent sur les créations les plus récentes de Roxane Lahidji. Parmi celles-ci, des pièces murales, véritables paysages de sel qui évoquent le dessin du vent dans les dunes. Augusta présente également des pièces emblématiques de son travail, telles que les lampes Planet. Originaire de Paris, Roxane Lahidji vit à Bruxelles et a installé son studio à Zaventem Ateliers. Ce premier solo show met en lumière le caractère unique et innovant de son travail qui séduit de Londres à New York. Roxane Lahidji at Augusta 19 septembre - 29 novembre Jeudis/vendredis/samedis de 14h à 18h Fermé le samedi 1er novembre
Célébrant les soixante ans du prix Les Plus Beaux Livres tchèques, Book Space métamorphose l’excellence éditoriale tchèque en une installation spectaculaire où se rencontrent design intérieur, graphisme du livre et transmission culturelle, avec un accent marqué sur le design inclusif.
Passez le seuil et laissez‑vous guider par une sélection minutieuse dont le langage visuel n’a pas besoin d’être traduit : bandes dessinées, albums jeunesse, livres de cuisine, ouvrages sportifs et bien d’autres titres, choisis pour leur capacité à parler par la forme, la couleur et le savoir‑faire tchèque en impression et reliure.
Les ouvrages prennent place sur un mobilier signé par les créateurs et fabricants tchèques Mikolášková & Drobná, Master & Master, Plastic Guys, Masopust et Monotropa, témoignage de la finesse technique et de l’innovation matérielle qui distinguent le design tchèque.
En tissant littérature, graphisme éditorial et design de mobilier dans un même espace accueillant, Book Space renforce les liens culturels entre la Tchéquie et la Belgique et invite chaque visiteur à ralentir, écouter et laisser les livres parler d’eux‑mêmes. Commissariat : Nicole Brock ‑ Design graphique : Barbora Kramná ‑ Organisation : Czech Centre Brussels.
Cabinet est un cabinet de curiosités où vous trouverez des objets vintage au design avant-gardiste que vous n'avez jamais vus auparavant, avec un focus sur le cristal, le métal et les plastiques.
Ces pépites sont dénichées par Rebecca Jaber et Milosz Martyniak, les deux fondateurs du concept.
COLLECTED En tant qu’architectes d’intérieurs, nous avons souhaité présenter notre sélection et nos coups de cœur au travers d’un un showroom / lifestyle shop « Collected » situé Place Brugmann 1 à Ixelles, réunissant une sélection de design , mobiliers, luminaires, objets décoratifs et objets d’art. Un accompagnement en aménagement d’intérieur y est également proposé,
On y retrouve des marques tels que Mohebban Milano pour les tapis, Bd barcelona , La Chance , Magis pour le mobilier, Bomma Lighting pour les luminaires, Serax, Ichendorf , Roros Tweed pour la décoration et l’art de la table Des designers établis ou émergeants tels que Moto Studio avec Stack Furniture, Maria Scarpulla , Lucas Zito, Lila Farget, Dirk Meylaerts, Sara Moorhouse ,
Dans le cadre de Design september , nous présentons les collectionscde luminaires en verre soufflé de Bomma Lighting en dialogue car les sculpture en verre de Lila Farget. www.collect-ed.com instagram : collected_brussels
Cette collection de mobilier explore la relation essentielle entre l’enfant intérieur et l’adulte.
Dans la vie adulte, nous perdons souvent le contact avec la légèreté, l’ouverture et la curiosité qui nous définissaient enfants. Ces créations visent à restaurer ce lien – non pas par la nostalgie, mais en invitant à l’introspection et au jeu.
Chaque objet de la collection se compose de volumes géométriques qui ne trouvent leur fonction et leur équilibre que par une interaction mutuelle. Visuellement et structurellement, les éléments sont interdépendants : aucun ne peut exister sans l’autre.
Chacun apporte à l’autre ce dont il a besoin. Ainsi, chaque design reflète la dynamique entre notre moi adulte et l’enfant intérieur qui aspire à être reconnu, vu et entendu – afin que nous puissions devenir plus authentiques et résilients dans notre globalité.
Avec des couleurs vives, des formes primaires et des compositions ludiques, ces objets restent accessibles aux adultes sans jamais devenir enfantins. Les pièces fonctionnent à la fois comme des objets du quotidien et comme des interventions réflexives dans l’espace : invitantes, légères et pleines de surprise.
1. Delta Delta invite à l’interprétation et à la liberté. Est-ce un banc ? Une table basse ? Ou quelque chose entre les deux ? À l’image des jouets ouverts, l’objet crée un espace pour explorer, jouer et attribuer un sens personnel. Les deux formes imbriquées dépendent l’une de l’autre pour trouver l’équilibre. Le nom fait référence au symbole grec delta (Δ), symbole du changement.
Il nous rappelle que le mouvement et la croissance naissent souvent de l’indéfini – en acceptant le changement et en restant ouvert.
2. Pivot Pivot trouve sa fonction et son équilibre dans la collaboration entre deux formes géométriques. Chaque élément soutient et stabilise l’autre. Cette construction reflète la force de la connexion et de la réciprocité. Elle nous invite également à renouer avec la légèreté et la créativité de notre enfant intérieur – une source de joie dans un monde complexe.
3. Vertex Vertex trouve son identité dans la tension entre immobilité et mouvement. Les deux éléments – chacun replié autour d’un point central – s’inclinent l’un vers l’autre pour créer l’équilibre.
Le nom fait référence au concept mathématique de vertex : le point où les lignes se rejoignent. Vertex capture l’instant où la structure se plie, se déplace et se transforme en quelque chose de nouveau. Une invitation discrète à la connexion et à la transformation par le jeu.
Matérialité et durabilité
Toute la collection est réalisée en aluminium thermolaqué : un matériau léger, solide et entièrement recyclable, adapté à un usage intérieur comme extérieur. En choisissant des matériaux qui résistent aux environnements changeants, nous prolongeons intentionnellement la durée de vie de chaque objet et brouillons la frontière entre mobilier d’intérieur et d’extérieur.
Le résultat est une série de pièces durables et flexibles, qui s’adaptent à différents contextes et étapes de vie.
Positionnement
Cette collection est une réflexion sur la manière dont le design peut soutenir le bien-être mental et la croissance personnelle.
En intégrant la dimension ludique dans le domaine adulte, les pièces créent un espace pour l’introspection, la légèreté et l’émerveillement – des qualités redevenues essentielles en ces temps de complexité et de pression.
La deuxième édition de l’exposition Curated, Functional Art se tiendra au Mix Brussels, sous la direction artistique de Lionel Jadot.
Cet événement unique réunira 44 designers talentueux et transformera l’emblématique bâtiment de l’ancienne Royale Belge en un véritable lieu d’effervescence créative.
Designers, artistes, collectionneurs et architectes y présenteront leurs œuvres lors d’un week-end de résidence ponctué de conférences, musique, de gastronomie et de DJ sets.
L’événement se déroule sur trois jours, est ouvert à tous et l’entrée est gratuite mais un ticket reste obligatoire.
d+ Meubles, luminaires et objets du XXème siècle avec un accent sur les designers italiens tels que Gio Ponti, Ettore Sottsass, Joe Colombo, Gino Sarfatti, Ico Parisi, Castiglioni, ainsi que sur les designers européens et américains.
Design for Resilience est un atelier de recherche textile belge qui explore les liens entre design, durabilité et savoir-faire local.
À Bruxelles et avec nos partenaires belges, nous concevons et tricotons des pièces épurées et responsables : linge de maison, accessoires et objets textiles sans plastique, pensés pour sublimer l’intérieur contemporain tout en respectant la planète.
Nous défendons une vision à long terme : reconstruire en Belgique une filière textile éthique, biologique et durable, ancrée dans l’innovation locale et le design circulaire.
Ce que nous fabriquons :
→ Objets de décoration d’intérieur : coussins et plaids en lin européen et laine belge, tricotés à Bruxelles à partir de matières locales, éthiques et respectueuses du bien-être animal.
→ Linge de bain écoresponsable : essuies en lin en lin (haute performance, ultra légers ou moelleux), lingettes, gants de toilette exfoliant en chanvre, pochettes de rangement.
→ Accessoires pratiques et durables : lavettes, éponges en chanvre, sacs et pochette en lin et chanvre.
→ Accessoires textiles : écharpes en laine, lin et soie upcyclée, tricotées à la main, dans une démarche zéro déchet.
Coopérative bruxelloise depuis 2022, Design With Sense replace l'humain et la matière au coeur de l'aménagement intérieur.
Desk d’accueil, bureaux, cuisine, habitat, commerce : dans une démarche d’économie circulaire et de co-design, l'entreprise conçoit neuf et beau à partir d’une majorité de matériaux de réemploi et des besoins des utilisateurs. Chez Design With Sense, on travaille en transversalité et dans une optique de conception inversée. « On part de la matière et on intègre très rapidement le futur utilisateur au coeur de la réflexion, dans une approche de design thinking qui va faire émerger les besoins réels de celles et ceux qui vont occuper le lieu.
On privilégie des allées et venues entre l’atelier de production, la menuiserie, les architectes et les clients afin de challenger au maximum les projets et d’impliquer directement toutes les parties prenantes dans la prise de décision. »
« Design et Désir – Au fond du terrier » explore les relations complexes entre créativité et marchandisation, dans un monde de plus en plus façonné par la culture algorithmique, les économies affectives, et le pouvoir d’attraction des cultures virales.
Où en sommes-nous aujourd’hui dans cette boucle de rétroaction entre design et désir ?
L’exposition réunit une sélection d’objets et de médias réalisés par dix artistes et designers belges contemporains, dont le travail interroge ou détourne les liens entre design et désir, création et consommation — des systèmes qui les soutiennent autant qu’ils peuvent les déformer.
Elle invite le public à réfléchir à son rôle de consommateur·rice et de créateur·rice, à la fois acteur·rice et spectateur·rice d’un monde dominé par des cycles sans fin de désir et de production. Sommes-nous tombé·es au fond de ce terrier ?
Présentation des projets de fin d'études - département design d'intérieur et design de produits de l'école d'arts LUCA, campus de Gand, Genk et Bruxelles.
Les mugs HOTHOTHOT expérimentent des formes innovantes qui améliorent la fonctionnalité.
La version café présente des formes en nageoires qui réduisent le contact thermique.
La nouvelle version pour le thé est la première tasse en céramique double paroi non artisanale. Un hommage à l’art millénaire de la céramique, combiné à de nouvelles techniques d’impression 3D pour créer une forme qui permet de tenir confortablement une tasse chaude de thé ou de café. Les tasses sont empilables et disponibles en plusieurs tailles. HOTHOTHOT Café Espresso : 80 ml, Cappuccino : 150 ml, Flat White : 200 ml, Latte : 300 ml, HOTHOTHOT Thé Petite : 130 ml, Grande : 230 ml.
Iconik Gallery est spécialisée dans le mobilier design du XXe siècle, l'art abstrait et les bijoux modernistes.
Avec une prédominance de pièces d'après-guerre, vous y trouverez un accent particulier sur le design scandinave, américain et hollandais, anonyme ou signé.
Laurent et Magali ont voulu créer un lieu de partage de connaissances, d'idées et d'histoires sur le design du XXe siècle.
Vous découvrirez une sélection subtile de leurs pièces emblématiques préférées, répondant à leur vision esthétique.
Espace Intermédiaire est une galerie d’art contemporain, qui a pour but de valoriser le processus de production et de recherche artistique au même titre que le produit final.
Située au Sablon, haut lieu d’art, des antiquités et du design, la galerie accueille des expositions solo et collectives, dans toutes les disciplines artistiques, avec un tropisme pour les mediums et les savoir-faire traditionnelles.
Dans le cadre de Brussels Design September, nous accueillons l’artiste Isabelle Bonté-Hessed2 avec l’exposition « La Faute », dans laquelle elle investit la céramique et, à travers elle, le modelage, comme espace de lenteur, d’expérimentation et de résistance.
Inspirée du roman d’Émile Zola, « La Faute de l’abbé Mouret », ce projet est le fruit d’une résidence de longue durée à l’Atelier des Tropiques, centre de soutien de la création céramique.
Pour l’artiste, la céramique est un support d’expression critique, sensorielle et sculpturale. La main devient une interface. Le matériau, un médium de pensée. Le design de ses créations explore une poésie de l’argile par une recherche plastique et narrative.
Son œuvre fusionne l'art et la littérature, invitant les spectateurs à plonger dans un jardin de connaissances florissants. Les céramiques sont réalisées en porcelaine et en mono cuisson.
Kazar est une boutique d'intérieur pas comme les autres, en plein cœur du quartier Dansaert. Un joyeux mix de vintage, de créations artistiques et de design contemporain, choisi avec flair. Du mobilier plein de charme, des lampes qui attirent l’œil, des objets uniques, des textiles colorés et de jolies pièces pour la table… Tout pour créer un intérieur élégant, personnel et plein de caractère qui vous ressemble.
HEURES D'OUVERTURE :
Sa.: 11h30 > 18h + tous les 1er dimanches
ou sur rendez-vous
L’Héliotrope est un magasin d’ameublement et objets chinés situé dans le quartier d’Uccle centre. Depuis avril 2024, j’y propose des meubles de métier, des meubles patinés, d’anciens miroirs biseautés, du linge de maison en lin brut ou finement brodé, des objets d’art et de curiosité. Le magasin est imaginé comme un décor de vie. J’accorde une grande importance à la mise en scène.
Je suis la femme du banc GO.SEE.CREATE. Les voyages, particulièrement dans le grand nord, sont ma plus grande source d’inspiration.
Chaque bijou est une ode à la nature, une inspiration de sa force. Il se compose de matières façonnées par la terre, la mer, le vent et le temps.
Chaque création est unique, une transcription de mes photographies par la recherche des teintes et des couleurs qui les composent mais aussi et surtout de l’envie de rendre l’émotion ressentie devant d’incroyables paysages. Mon banc, ma boussole …
Ils prennent vie dans mon atelier-boutique de Bruxelles mais la véritable alchimie se produit lorsque, de retour de mes périples, assise sur mon banc, mon repère, ma boussole, mon regard se perd vers l’horizon.
Les couleurs, les images, le ressenti des terres lointaines me reviennent et se bousculent. Je m’envole à nouveau vers les latitudes. Un bijou est en train de voir le jour. Je suis la femme du banc, je vous emmène en voyage ...
LE BEAU A UNE ADRESSE est une Maison d’Art, située au coeur de Bruxelles. Isabelle LECLERCQ, la Fondatrice, a créé cette Maison intimiste et chaleureuse afin d’y célébrer le BEAU dans l'art, le design, la littérature et la gastronomie ...La Maison accueille et met en lumière artistes contemporains et designers. C’est grâce à du mobilier vintage des années 1950 à 1990, chiné avec passion par Isabelle Leclercq que cette Maison de maître est unique par son style. Des rencontres littéraires, des évènements artistiques et des mises en scène culinaires sont proposés aux visiteurs. La Maison propose des balades artistiques et des visites privées, tous les jours sur RDV. Les oeuvres d'art et le mobilier vintage sont présentés à la vente. Le mantra de la Fondatrice : “Laissons-nous inspirer et émerveiller par le BEAU.”
Ouvert sur RDV (par email ou téléphone). contact@lebeauauneadresse.com +32.470.910.418
C’est lui l’ébéniste, le restaurateur, l’artisan du savoir-faire, le faiseur du design, le curieux du beau. C’est elle la passionnée des matières, la collectionneuse de tissus, la façonnière d’ambiances, la pourvoyeuse de couleurs, la chasseuse d’élégance.
HEURES D'OUVERTURE:
Lu. au sa.: 10h > 18h30 ou sur rendez-vous.
Au cœur de cette exposition, la lumière n’est plus un simple outil fonctionnel : elle devient matière, langage et expérience. Lightcore évoque ce noyau lumineux qui façonne notre perception, transforme les espaces et dialogue avec la technologie.
Entre design d’objets, installations digitales et dispositifs immersifs, les créateurs réunis ici explorent la lumière dans ses formes les plus sensibles comme les plus innovantes. Ils révèlent son potentiel poétique autant que son ancrage technologique, jouant avec ses éclats, ses flux et ses ombres.
Lightcore propose ainsi un voyage au centre de la lumière, là où le design rencontre l’art et où la technologie devient émotion.
Visite guidée de l’exposition Looking Through Objects: Women in Contemporary Polish Design en compagnie des commissaires, Agnieszka Jacobson-Cielecka et Gian Luca Amadei.
À propos des commissaires : Agnieszka Jacobson-Cielecka est commissaire d’exposition de design, dotée d’une formation en arts visuels. Elle porte un intérêt particulier à l’influence du contexte local sur les identités en termes de design. Elle exerce également en tant qu’éditorialiste, organisatrice d’événements et membre de jurys de concours de design. Agnieszka occupe actuellement le poste de doyenne de la Faculté de design à l’Université SWPS de Varsovie. Elle a précédemment assumé les fonctions de directrice artistique du Łódź Design Festival et de rédactrice en chef fondatrice du magazine Elle Decoration Poland.
Gian Luca Amadei est historien de l’architecture, chercheur et commissaire d’exposition. Ses domaines de recherche se situent à l’intersection de l’histoire de l’architecture, de l’urbanisme, de la sociologie et du contexte culturel. Gian Luca est un fervent défenseur de l’apprentissage tout au long de la vie et enseigne au Royal College of Art de Londres. Il est également l’auteur des ouvrages Discovering Women in Polish Design (2009) et Victorian Cemeteries and the Suburbs of London (2022).
Looking Through Objects est une proposition originale qui illustre le rôle majeur que les designers femmes jouent aujourd’hui en Pologne. Du design de produits à la pièce unique, ces créations racontent la richesse de réalisations singulières. Organisateurs : Design Museum Brussels et l’Institut polonais Bruxelles Partenaires : SWPS University à Varsovie, Royal College of Art à Londres, National Museum à Gdańsk Commissaires d’exposition : Agnieszka Jacobson-Cielecka, Gian Luca Amadei, Dario Lombardi.
Plus d'informations, inscription: info@designmuseum.brussels / 02 669 49 21
Material Reverie Une rêverie de matière, entre geste, forme et lumière.
À l’occasion de Design September, la boutique ouvre ses portes sur une installation immersive dédiée au processus joaillier.
Material Reverie explore la matière dans toute sa poésie : brute, fondue, façonnée, polie… Cette exposition célèbre la beauté des étapes cachées, de la cire sculptée à la pierre sertie, révélant les secrets d’un savoir-faire artisanal rare.
Un dialogue sensible entre l’invisible et le précieux, le geste et la forme, le silence et la lumière.
Pour la toute première fois depuis notre installation dans notre atelier à Anderlecht, nous ouvrons les portes de notre univers de maroquinerie fine et de design.
Venez découvrir notre atelier et studio de création, nos outils, nos matériaux, ainsi que nos projets passés et en cours.
Plus qu’un atelier de cuir, Niyona est un studio pluridisciplinaire où l’esthétique minimaliste rencontre les techniques traditionnelles.
Cet atelier ouvert est l’occasion rare de plonger dans ce dialogue créatif — une fusion entre design, gastronomie, mode, architecture et scénographie, reflet de notre approche à la fois artisanale et contemporaine.
Rejoignez-nous pour une visite guidée, rencontrez notre équipe et vivez l’ambiance d’un lieu où le savoir-faire et la vision moderne se rencontrent.
Nous prendrons le temps de partager avec vous notre passion, notre processus et l’art qui se cache derrière chaque création.
Nous sommes un bureau d'architecture d'intérieur qui a développé une suite à notre collection de mobilier lancée en 2020.
Cette collection comprend des chaises, des plateaux de service, un séparateur de pièce (paravent), deux lampes, des tables d'appoint et un banc. Nous consacrerons un espace dans notre bureau pour mettre en valeur cette collection pendant le Brussels Design September.
Guillaume Slizewicz est un designer et artiste numérique dont le travail se situe à la croisée de la technologie, de l'environnement et des questions sociétales.
À travers sa pratique, il s'intéresse à la dynamique évolutive entre innovation et durabilité, utilisant la technologie de manière poétique, évocatrice et critique.
Son approche établit des liens entre les pratiques artisanales anciennes et les outils numériques contemporains.
Ses œuvres mêlent souvent des matériaux physiques, tels que le métal, le bois et l'argile, à des processus numériques comme les algorithmes, l'intelligence artificielle et l'apprentissage automatique. Elles relient le passé au futur, associant l'artisanat aux processus informatiques.
Nouvel espace dédié au design contemporain haut de gamme, Sisu a ouvert ses portes en juin 2024 dans un magnifique hôtel de maître du XIXᵉ siècle, situé à Woluwe-Saint-Lambert, dans le quartier Georges Henri.
Ce lieu de 180 m², réparti sur deux niveaux, met en scène une sélection pointue de mobilier et de luminaires contemporains issus de maisons d’édition européennes telles que Zanotta, MDF Italia, BD Barcelona, Catellani & Smith, oluce ou encore Foscarini.
À l’occasion de Design September 2025, Sisu souhaite présenter une exposition exclusive de l’artiste belge Michael Scheers, dont le travail s’inscrit dans la lignée de l’art cinétique.
Par ses compositions géométriques vibrantes et évolutives, Michael Scheers explore le mouvement à travers des compositions géométriques vibrantes qui intriguent, captivent et bouleversent notre perception.
Courbes, lignes, textures et couleurs dialoguent pour donner vie à des illusions d’optique aussi poétiques que dynamiques. Un aperçu de son univers est à découvrir sur son site personnel : www.michaelscheers.com.
Pour enrichir cette expérience visuelle, chaque oeuvre de l'artiste sera associée aux bougies parfumées signées Bois Eloi Fragrances, marque belge écoresponsable et artisanale.
Elégantes, durables et rechargeables, ces bougies ajouteront une dimension olfactive aux jeux visuels de Michael Scheers, tissant un dialogue subtil entre lumière, matières, couleurs et parfums.
Arthus Galerie @arthus_gallery, située sur la charmante Place du Châtelain au cœur de Bruxelles, accueillera en septembre prochain une exposition pop-up intitulée "Palm Springs". Expo: 11/9-5/10.
Pour cette occasion, nous collaborons avec la styliste Audrey Heselmans (@audreyheselmans), fondatrice du concept lifestyle Maison de la Folie (@maisondelafolie), qui créera une scénographie éclectique et immersive inspirée de l’univers ensoleillé de Palm Springs : design, mobilier vintage, bijoux, tissus, objets décoratifs et lifestyle.
Audrey, passionnée par cette destination qu'elle connaît intimement, insufflera à l’exposition son regard unique, nourri de nombreux voyages et anecdotes.
Dans cette exposition, les œuvres de l’artiste danoise Tilde Grynnerup (@tildegrynnerup) seront présentées.
Leur esthétique colorée et ludique s'intégrera parfaitement à cet univers visuel fort et singulier.
Radical Landscapes marque la première exposition solo de Mario Trimarchi à Bruxelles. Le designer et architecte lauréat du Compasso d'Oro présente une sélection de ses œuvres les plus récentes, incluant des objets uniques et des dessins sur papier. La recherche de Trimarchi se déploie à travers de délicats paysages poétiques capturés dans ses dessins, et se poursuit dans la création d'objets inattendus et parfois précaires : des assemblages sophistiqués de matériaux bruts tels que le verre, le treillis métallique, la pierre, le laiton avec des formes domestiques et familières. Ces constructions fragiles mais saisissantes nous parlent de l'équilibre inatteignable de la vie, de la chaleur et du froid, de l'instabilité et de la solidité, de la légèreté et du poids, de la transparence et de l'opacité. Dans Radical Landscapes, Trimarchi nous invite à explorer la friction poétique entre le naturel et le conçu — entre ce que nous connaissons et ce que nous apprenons encore à voir.
Monika Unger — Concept d'exposition et production
L'exposition présente des objets et dessins de six collections différentes :
BARRICADES, architectures fragiles faites de fragments structurels, assemblés en équilibre incertain.
CLOSE TO THE EDGE, roche et verre — poids et transparence — maintenus en équilibre précaire, surplombant l'abîme.
THE WALL, objets métalliques tissés — vaisseaux en croissance — s'étirant vers le haut vers le ciel.
FOREVER, MAYBE, une collection de bagues qui pourraient durer éternellement — ou s'estomper comme des galets façonnés par le vent et l'eau.
STRAWBERRY FIELDS FOREVER, paysages ruraux miniatures qui apportent la campagne dans nos espaces domestiques.
STILL LIFE, des branches de verre s'entremêlent et s'élèvent pour collecter et distribuer l'eau de pluie dans un mouvement perpétuel et délicat.
Une sélection d'objets de design, actuellement en production par Alessi, Caimi et Ichendorf est présentée à l'étage inférieur.
Mario Trimarchi est un designer et architecte qui voit le design comme un moyen d'apporter la poésie dans le monde des objets du quotidien. Ancien directeur du Master en Design à la Domus Academy, il a fait partie de l'Olivetti Design Studio avant de fonder l'agence de conseil en marque Fragile. Aujourd'hui, à travers sa propre pratique, Mario Trimarchi Design, il crée des objets et du mobilier pour des entreprises internationales de premier plan.
En 2016, il a reçu le Compasso d'Oro pour la cafetière Ossidiana conçue pour Alessi. Son travail explore souvent les frontières entre dessin et design : en 2019, il a tenu des expositions solo de ses dessins à l'Institut culturel italien de Paris et au Design Hub de Barcelone. En 2020, deux pièces de Botanica — une collection de panneaux absorbant le son pour Caimi — ont été acquises par la Collection Quirinale Contemporaneo.
En 2022, il a été invité par la Korea Craft and Design Foundation à concevoir cinq petits autels en laiton Yugi, et a reçu la Targa d'Oro de l'Unione Italiana Disegno (UID) pour sa contribution à la culture du dessin.
En 2024, le film Ten Types of Black, réalisé par Emilio Neri Tremolada, est sorti, offrant une réflexion poétique sur les dessins en noir et blanc de Trimarchi, qu'il décrit comme un moyen de "fixer à jamais la présence des choses et assurer leur survie paisible."
Depuis 2024, sa recherche à l'intersection de l'art et du design s'élargit, menant à une série d'expositions solo à Milan (Galleria Jannone et Paula Seegy Gallery), Como (Galleria Diaz 14), et Londres (Mint Gallery). Il dessine jour et nuit.
Random Distractions (: est un projet d’exposition imaginé par Lucas et Alice, chacun·e designer et communicante. Partageant une passion commune pour un design engagé, accessible et porteur de sens, cette exposition marque notre volonté de collaborer autour d’un projet qui reflète nos aspirations mutuelles : imaginer, créer, et surtout transmettre un design qui s'aligne avec et rende compte des challenges du monde d'aujourd'hui. À travers une sélection de sept projets issus de la pratique de Lucas, Random Distractions (: explore les tensions entre réflexion critique, processus créatif et engagement collectif. Les objets et installations présentés s’axent autour de thématiques telles que la circularité, la réutilisation de matériaux, la technologie, ou encore les dynamiques sociales et politiques, dans une approche transdisciplinaire et open source. Plutôt que de sacraliser un résultat, cette exposition met en lumière les chemins de traverse : les prototypes bancals, les ratés toutefois inspirants, les idées inabouties ou réactivées, les échanges inattendus entre ami·es, artistes, ingénieur·es ou curieux·ses. Random Distractions (: se veut ainsi être un espace d’exploration vivant, interactif et évolutif, qui invite à comprendre les dessous de la création contemporaine en matière de design.
Projets exposés :
CLEAR – Circular Electronics Upcycled : Objets audio transparents fabriqués à partir de vieux composants électroniques, récupérés, démontés puis réassemblés.
CHAIR – Parametric Furniture Numerical Simulated : Ensemble de chaises uniques conçues à partir d’un même modèle paramétrique, générées par simulation numérique pour s’adapter automatiquement à des matériaux récupérés aux formes variées, sans redessiner chaque pièce.
RBAG – Open Source Textile Objects : Ensemble d’accessoires et de vêtements open source, faciles à fabriquer à partir de matériaux upcyclés, avec patrons libres et pièces détachées imprimables en 3D.
REDISTRIBUTE – Visual Representation of Wealth Scales : Redistribute est un projet visuel qui rend les inégalités économiques plus compréhensibles en traduisant des montants abstraits en formats concrets comme la distance, le temps ou le volume.
RITMO – Visual Coding Performance : Ritmo est un projet visuel et performatif qui génère des images en temps réel à partir de gestes, sons ou présences captés par capteurs, ici via une Kinect, même dans des conditions extrêmes de nuit, pluie, ou brouillard.
MODULAIR – Multiple Modular Products : Un système modulaire d’objets reliant les domaines du mobilier, de l’éclairage et de l’audio.
L'exposition associe le design contemporain à la tradition de l'artisanat verrier et montre comment il est possible de créer un nouveau langage culinaire, des verres à bière et à boire aux lampes conçues pour les environnements de restauration.
Les installations individuelles reflètent à la fois le processus créatif, les possibilités technologiques et les chevauchements culturels associés au verre appliqué.
L'exposition est rythmée par des histoires qui vont des techniques culinaires transformées en objets à un hommage aux verriers de la ville morave de Květná.
L'exposition Savour invite les visiteurs à « ne pas se contenter de regarder » le design, mais à l'apprécier réellement - dans les détails, dans les matériaux, dans le contexte.
Et surtout, à rapprocher le rituel quotidien de la nourriture de nous grâce au verre en tant qu'espace de contact humain, d'artisanat et de culture.
Vestiges est une collection de trois pièces de design à collectionner : le pendentif pression, la tour douce et la table Vestiges.
Les trois pièces sont fabriquées à l’aide de plaques d’aluminium découpées au laser qui sont dessinées par des accidents ; images d’objets cassés.
La répétition du dessin grâce à la découpe laser apporte un paradoxe esthétique.
Les pièces sont également une exploration de l’artisanat et de la fabrication numérique avec l’ajout de latex naturel, de verre texturé ou d’ampoule imprimée en résine.
Toutes les pièces sont produites à Bruxelles et sont fabriquées sur commande, et sont fraîchement publiées sur des galeries en ligne telles que Adorno ou le magazine The thing.
Images: Dogtooth, Simon Breynaert, Simon Hampikian
Le travail du collectif de design Vormen et celui de la photographe Liza François partagent une sensibilité silencieuse à la matière, à l’émotion et à l’espace.
Tandis que Vormen crée des objets poétiques nés de l’intuition et du matériau lui-même, François capture, à travers son objectif, les couches de l’existence humaine dans des images douces, honnêtes et sensibles.
Dans cette présentation, une rencontre se crée — un dialogue entre image et forme. Des images et des objets qui se soutiennent, se reflètent, s’enlacent et se déposent l’un contre l’autre. Image et forme se portent mutuellement.
Leur esthétique commune, faite de simplicité et de vulnérabilité, invite à la lenteur et à la contemplation : un regard attentif porté sur le quotidien, où les frontières entre l’objet et l’image s’estompent.
Home Design / Arts Décoratifs XX / 50’s-60’s-70’s
Meubles scandinaves ,lampes italiennes ,céramiques anciennes et contemporaines ,bronzes de qualité ,meubles d'architecte, sculptures en marbre, peintures et lithographies.... un large choix situé en plein cœur des Marolles !
Horaires d'ouvertures : tous les jours de 10h à 18h
Zangra, fabricant belge de luminaires et d’objets de décoration d’intérieur, ouvre sa première boutique en plein cœur de Bruxelles.
Après des années de succès dans la vente en ligne, Zangra ouvre un point de vente physique pour faire profiter ses clients d’une expérience d’achat immersive et leur faire découvrir son univers.
Le magasin Zangra est situé derrière le Théâtre Royal Flamand (KVS) et en face de la célèbre bétonnière gothique de l’artiste Wim Delvoye. La boutique est entièrement aménagée dans le style épuré et minimaliste propre à Zangra et accueille un bureau afin que les clients puissent découvrir les coulisses de la marque.
La boutique propose une large sélection de produits allant des luminaires Art Déco aux accessoires de décoration rétro. Zangra accorde une attention particulière à la présentation de sa gamme de produits afin d’inspirer les clients pour qu’ils puissent créer une ambiance pop et rétro chez eux.
La fondatrice Eve Van Dyck précise : « Notre mission est d’ins- pirer nos clients, de stimuler leur créativité et de leur montrer les possibilités infinies qu’offrent les produits Zangra. » La nouvelle boutique Zangra est idéalement située à l’intérieur du pentagone de Bruxelles. La Place Sainte-Catherine, le quartier des restaurants et la rue Antoine Dansaert sont situés à un jet de pierre. La boutique se situe également non loin du nouveau quartier en pleine expansion autour du musée Kanal et de Tour&Taxis.
Choisir une catégorie
This website uses cookies to ensure you get the best experience on our website.
